LOS GIRASOLESINFORMACIÓNVincent van Gogh
Año 1888
Estilo artístico Postimpresionismo
Técnica pictórica Óleo sobre lienzo
Longitud 93 cm
Anchura 72 cm
Localización Neue Pinakothek
Munich, Alemania
ANÄLISISA).-Observación de la obra: (leemos de izquierda a derecha-Los musulmanes al contrario- y de abajo a arriba).
Debemos señalar que es una obra pictórica
Descripción general de la obra: figurativa (No es abstracta) y realista (Se basa en la naturaleza) pero no es analítica.
Observamos el género: Paisaje, retrato, bodegón, histórica, etc...
1.-Iconografía (Tema): Jarrón con girasoles.
Descripciones encontradas:
Descriptiva: Serie de cuadros con este tema: tres con 15 girasoles y 2 con 12). Las pinturas muestran girasoles en todas las etapas de su vida, hasta que marchitan.
Interpretación simbolista: los girasoles representan el sol.
Comparar con otros temas del autor. ¿Hay una unidad entre ellos? Por ejemplo: objetos sencillos, trabajadores o campesinos, etc..
2.-Materiales: Óleo y pinceles.
3.-Composición: Es sencilla. Un jarrón con girasoles en el centro del cuadro (Si estuviera a un lado del cuadro y no hubiera simetría, produciría sensación de desequilibrio) y sobre una mesa, que al carecer de perspectiva y estar pintada con un solo color plano recuerda a los románicos. La línea horizontal divide el cuadro en dos partes no simétricas, con lo que las flores ocupan la mayor parte del cuadro frente al jarrón...tienen todo el protagonismo.
Hay dos planos.
4.-Elementos técnicos:Pintura al óleo. El aglutinante de la pintura es el aceite de linaza.
Van Gogh utiliza capas espesas de óleo en muchas ocasiones, lo que ofrece un aspecto de pintura viva y con diferentes texturas.
Dibujo (según la etapa):Hay veces que contornea el dibujo. En otras ocasiones dibuja con el pincel. Los fondos son planos (La habitación, la pared, por ejemplo, o el fondo de los girasoles).
Formas naturalistas pero representadas de forma absolutamente subjetiva, reducidas las formas a sus elementos más simples, deformadas por su visión particular, abandonando con los impresionistas la perspectiva geométrica clásica.
Para producir la sensación de profundidad NO utiliza la gradación de color como lo hacían los clásicos con la perspectiva aérea. Todo el fondo tiene el mismo color. Aunque el azul aleja y el cálido avanza al primer plano, él no lo utiliza con esta intención clásica. El fondo es neutro.
Gran papel del color (Se dice de él que sus colores simbolizan sus estados de ánimo) . En el caso de los girasoles predomina el cálido : amarillos-incluso el fondo es amarillo-, naranjas y ocres. En la serie, en otros cuadros, el azul o verde del fondo potencian el amarillo.
Pincelada suelta. De influencia impresionista., fauvismo y los principios de la abstracción. PODËIS COMPARA A VAN GOGH CON CEZANNE Y GAUGUIN.
Características de su estilo ,antecedente del expresionismo:-contornos que delimitan las figuras
-pinceladas fuertes, largas y espesas
-gusto por las líneas curvas llegando a deformar los objetos que parecen que tengan vida propia
-carga emocional
Antecedentes de su estilo:Los impresionistas: pincelada suelta, colores puros (Teoría de los colores)
SIGNIFICADO DE LA OBRALa obra se produce en 1888. Se trata de flores- muchas veces pintadas por Van Gogh-,son girasoles, elementos de la Naturaleza. En Holanda existe la tradición de pintar jarrones con flores.
Los colores cálidos simbólicamente representan calor emotivo.
FUNCIÖNIdeológica (Amor hacia lo sencillo, los trabajadores,lo verdadero), simbólica (Simbología del color: calidez o frialdad), psicológica (Expresión de sus propios sentimientos): las flores forman parte de la Naturaleza tan apreciada por Van Gogh.
Sin embargo, los cuadros de Van Gogh carecen de todo sentimentalismo, carácter anecdótico o comentario social evidente. Era consciente de que su forma de vida estaba siendo minada por la industrialización, que acababa con la existencia sencilla que hasta entonces el hombre había llevado en contacto directo con la naturaleza.
AUTORBreves datos biográficosVincent Van Gogh nació en Zundert (Holanda). Su padre era pastor evangelista y entre sus tíos había marchantes de arte, almirantes y libreros. Empezó a trabajar en 1869, a los dieciséis años de edad, en la galería de arte que su familia poseía en La Haya; la galería se había asociado con una compañía francesa y era conocida como Goupil et Cia.
Estudio en la Escuela de La Haya entre 1869 a 1873.
Van Gogh trabajó para Goupil et Cie. en Londres (1873-75) y París (1875-76), pero sufrió una depresión tras una desafortunada experiencia con la hija de su patrona londinense, y en abril de 1876 acabó siendo despedido de la compañía. Entonces se hizo cada vez más religioso y se dedicó a leer la Biblia con asiduidad.
En 1877 trabajó durante varios meses para un librero de Dordrecht. Su amor por la literatura se traducía en sus variadas lecturas y en sus amplios gustos.
Posteriorrnente introdujo sus libros preferidos en sus cuadros.
Luz difusa que procede del color (No en los comedores de patatas que recuerdan el Barroco).
ESTILO: Postimpresionista como Gauguin y Cezanne. Influencia de Van Gogh en el simbolismo y el expresionismo.
A finales de los años 70, la religiosidad de Van Gogh se fue agudizando. Pasó nueve meses en Inglaterra colaborando con los metodistas, y llegó a escribir y pronunciar un largo sermón.
A mediados de 1877 decidió seguir los pasos de su padre e ingresar en la Iglesia evangélica. Con este fin estudió en Amsterdam y Bruselas, y en el mes de noviembre de ese mismo año fue de prueba como evangelizador a una región minera de Bélgica asolada por la miseria, el Borinage.
Fue una época trascendental para Van Gogh, que vivió la práctica del Evangelio, dedicándose por entero a los mineros, cuidándolos cuando resultaban heridos en una explosión en una mina, despreocupado de la ropa, la comida y otros asuntos terrenales.
Pero su voluntad de llevar a la práctica al pie de la letra los mandatos del Evangelio chocó con las altas jerarquías eclesiásticas. Su comportamiento contradecía las convenciones aceptadas en su clase y actividad, y fue expulsado del estamento religioso.
Van Gogh renegó de la hipocresía del alto clero y de las llamadas "personas respetables".
Pronto sería rechazado de nuevo por vivir demasiado de acuerdo con sus ideas religiosas: en efecto, en La Haya muchos artistas le dieron la espalda por dar cobijo a una mujer abandonada y desamparada, que tenía fama de prostituta.
A los veintiséis años, Van Gogh había realizado ya varios trabajos y en todos había fracasado.
Vagó entonces por el Borinage totalmente desesperado, como cuenta a Theo en una carta emocionante escrita en el mes de julio de 1880. Todo lo que le interesaba se fue concentrando entonces en una sola actividad: el arte.
Se centró en el arte que conocía (Rembrandt, Delacroix, Millet) y en los libros de Dickens, Victor Hugo y Michelet. Escribió por entonces: "Hay algo de Rembrandt en Shakespeare... de Delacroix en Victor Hugo; y hay algo de Rembrandt en los Evangelios, o algo de los Evangelios en Rembrandt".
Durante sus paseos por el Borinage, Van Gogh había intentado llegar hasta Courriéres para visitar a un artista al que admiraba, Jules Breton.
Veamos cómo describe el momento en que tomó la decisión: "Pues bien, incluso sintiéndome profundamente miserable, recuperé algo de la energía perdida y me dije: a pesar de todo, volveré a trabajar, a coger el pincel, que he abandonado por el gran desaliento que noto en mí, y seguiré dibujando.
A partir de ese momento tenía la sensación de que todo había cambiado". Van Gogh había dibujado antes de 1880. En su juventud había realizado dignos dibujos, fundamentalmente copias de grabados. También había hecho pequeños apuntes y caricaturas para una niña de La Haya en 1872 y 73.
Nos ha dejado imágenes de la mayor parte de las casas en que vivió. Al volver a coger el pincel, tenía las ideas más claras sobre lo que quería hacer: deseaba realizar dibujos de gente trabajando en un estilo crudo, adecuado al tema de las obras, que expresara sus sentimientos sobre "la gente".
A partir de este momento su carrera se divide en períodos dominados por los lugares en que vivió:
Etten en 1880, La Haya en 1881 a 1883,
Drenthe en 1883, Nuenen en 1883 a 1885,
Amberes de 1885 a 1886,
París de 1886 a 1888,
Arles en 1888, St. Remy en 1889 y 90, y
Auvers en 1890.
Durante la primera mitad de su carrera artística vivió en Holanda, donde desarrolló un estilo personal dentro de la línea de la Escuela de La Haya.
Sería un error olvidar las primeras obras de su corta carrera. Los colores sombríos, las espesas capas de pintura y el gusto por la representación de campesinos en sus cabañas o trabajando en los campos recuerdan las pinturas de Josef Israels (1824-1911) y Anton Mauve (1838-88), éste último resultó ser su único maestro en el sentido estricto de la palabra.
En esa época se sintió atraído por la pintura de figuras, ya que pensaba que la manifestación más alta del arte moderno era la representación de los campesinos en acción. Algunos de sus mejores dibujos están inspirados en los hombres y mujeres de Nuenen captados en sus faenas agrícolas.
Van Gogh se sentía, sin embargo, aislado en el campo, lejos de otros artistas, y por eso se matriculó en una academia de dibujo de Amberes. Pero, repentinamente, decidió trasladarse a París, y envió a Theo esta nota: "Querido Theo, no te enfades conmigo por actuar tan precipitadamente... Estaré en el Louvre a partir del mediodía o antes, si así lo deseas".
En París estaban surgiendo nuevas ideas y movimientos, y esto excitaba la imaginación de cualquier artista joven. Van Gogh pudo ver la exposición de los impresionistas, los Salones anuales, la exposición del nuevo Salón Nacional, una retrospectiva de su artista preferido, Millet, exposiciones de Monet y Renoir en la galería Petit y obras simbolistas de Gustave Moreau y Odilon Redon. Frecuentó el estudio del renombrado pintor Ferdinand Cormon, y allí conoció a Henri de Toulouse-Lautrec.
Los colores de las obras eran brillantes y alegres; el tema, libre, aunque predominaran las vistas de París y los paisajes. Vincent se puso a experimentar en seguida en la práctica las ideas de los postimpresionistas, que había conocido a través de Paul Signac. Puntos de color quebrado empezaron a verse en sus lienzos, y pinceladas nerviosas, como si se hubieran aplicado con prisa. Esta tendencia fue aumentando. Van Gogh llegó a París en un momento en que los artistas jóvenes estaban desarrollando una serie de ideas que iban más allá del impresionismo, y en que los artistas ya consagrados empezaban a explorar estas nuevas ideas.
Vincent se interesó por ellas, pero prefirió seguir una línea más personal, influido por los grabados japoneses entonces de moda en París. El cubrimiento de amplias zonas del lienzo con un color puro y la elección de temas populares hicieron que el artista considerara estos grabados como obras no puramente decorativas, sino susceptibles de un análisis más profundo: eran un edén de luz y color.
Las tensiones y luchas existentes en la vida artística parisina de la época entre las distintas tendencias disgustaron a Van Gogh, que decidió marchar al sur de Francia a buscar su propio Japón de luz y color.
Allí esperaba encontrar una comunidad de artistas que colaboraran entre sí, como la Escuela de Barbizon, la de La Haya y los talleres de grabadores japoneses. Al pintor le atraía el sur, y sentía que había encontrado su Japón: pero también le recordó a su Holanda natal.
Escribió a su hermana que lo que había aprendido en París no le servía, y en sus cartas a Theo decía que la campiña de Provenza le recordaba las obras de Ruisdael y Hobbema.
En los paisajes pintados por Van Gogh en esta época aparecen las mismas llanuras inmensas que en los dos pintores holandeses del siglo XVII; además, se repite el motivo holandés de los puentes levadizos, que habían sido construidos en Provenza por ingenieros venidos de los Países Bajos.
En 1888 Vincent convenció a Paul Gauguin de que se reuniera con él en Aries con el fin de fundar una sociedad de artistas que llevaría el nombre de "Estudio de los trópicos". Pero los dos artistas tenían distintos puntos de vista sobre pintura, y esto se tradujo en violentas discusiones que Van Gogh calificó de "eléctricas".
El pintor holandés había dedicado su carrera al estudio naturalista de la realidad que le rodeaba, y esto chocaba con la concepción de Gauguin. Luego de cortarse la oreja por una discusión con Gaughin, fue encarcelado y liberado, pero más tarde volvería a ser aprisionado a petición del pueblo de Aries, y finalmente ingresó voluntariamente en el hospital psiquiátrico de St. Paul, en St. Remy.
La enfermedad de Van Gogh se caracterizaba por frecuentes ataques, seguidos de períodos de letargo e inactividad, a su vez seguidos de una completa lucidez y una sorprendente actividad.
Se ha dicho que era esquizofrenia, epilepsia o una tara familiar hereditaria. El escaso desarrollo de la psiquiatría en esa época dificulta el conocimiento de su enfermedad, pero es probable que Van Gogh padeciera un tipo de epilepsia temporal cuyos síntomas a menudo recuerdan los de la esquizofrenia.
Es posible que su "locura" no afectara directamente a su arte; pero esta experiencia y el miedo a futuros ataques, con la consiguiente depresión, inevitablemente tuvieron que desequilibrarle.
Van Gogh pintó en St. Remy y se observa un cambio en su estilo: los tonos se hacen más sombríos y las formas están agitadas, como si tuvieran energía propia y escaparan al control del artista. Pidió a Theo que le enviara dibujos antiguos y volvió a pintar campesinos, cabañas y paisajes, reunidos bajo el título de "Recuerdos del Norte".
También dibujó de memoria una versión de "Los comedores de patatas". Una de sus obras más importantes de este período es la copia del aguafuerte de Rembrandt La resurrección de Lázaro. En él, Rembrandt se servía de un rayo de luz para simbolizar el poder que emana de Cristo.
Van Gogh elimina la figura de Cristo, sustituyéndola por un gran sol amarillo, cuya luz, representada por un dorado que inunda la pintura, simboliza la fuerza de la vida. Así, transforma a Rembrandt a través del sol; el norte y el sur se juntan; la religión, el arte y la naturaleza forman una unidad.
Van Gogh volvió al norte en mayo de 1890. Pasó por París, vio algunas exposiciones antes de marchar a Auvers. En este pueblecito de las afueras de París fue tratado por su amigo, el Dr. Gachet, que era médico, pintor y amigo de los impresionistas. Van Gogh trabajó mucho en este período, realizando dibujos y pinturas a un ritmo de uno a dos por día. A Vincent le preocupaba su hermano Theo, que había sido su único apoyo financiero durante los últimos diez años.
La angustia de la dependencia económica, la sensación de fracaso ( en su vida no vendió ni un solo cuadro), el miedo al futuro y a posibles nuevas crisis, con el consiguiente riesgo de no poder seguir trabajando, debieron de pesar mucho, comprensiblemente, en su ánimo.
En una de sus últimas cartas, Van Gogh se muestra preocupado por la vulnerabilidad de los artistas frente al mercado artístico. Ciertamente algunas de sus pinturas de esta época expresan desolación y vacío:
"Yo no tengo la culpa de que mis cuadros no se vendan.
Pero llegará el día en que la gente se dará cuenta de que tienen más valor de lo que cuestan las pinturas."
El 27 de julio de 1890 Vicent intentó suicidarse con una pistola: murió resultado de las heridas dos días después, en brazos de Theo, a los treinta y siete años. La tragedia de su muerte ha oscurecido su vida, y su obra a menudo parece acompañada de una etiqueta invisible que dice: "Esto fue pintado por un hombre que estaba loco y se suicidó".
PostimpresionismoDesde fines de la década del 70, el impresionismo empezó a tener pequeños problemas. Poco después del 1880, el movimiento impresionista experimentó su primera gran crisis.
El grupo formado por los cultivadores de aquella tendencia y sus fieles amigos solo habían sufrido hasta entonces una deserción, si es que así cabe considerar la deserción de Paul Cézanne, nunca identificado por completo con aquel ambiente.
Pero ahora aquel grupo empezaría a dispersarse. Sin duda, Monet y Sisley, entre los más grandes representantes de la pintura impresionista, así como Guillaumin y Caillebotte, entre las figuras de segunda fila, proseguirían pintando hasta el fin según los principios de la tendencia básicamente debido al éxito personal.
Aquellos años fueron finalmente, tanto para Monet como para Renoir, los de la llegada del encumbramiento definitivo. Pero el mismo Renoir, uno de los más reconocidos impresionistas desde sus inicios, flaqueaba ya en su adhesión a la técnica del estilo establecido.
Cabe destacar que algunos de los que entonces empezaban a dedicarse por entero a la pintura, como Gauguin, aún se manifestaban como impresionistas, más bien pocos jóvenes imitaban su ejemplo.
De entre estos pintores, estaban los que conocían y apreciaban desde hace tiempo las obras de los impresionistas; otros, como Seurat, los habían descubierto hacía muy poco. La aceptación de Seurat en una exposición impresionista de 1886 fue, precisamente, lo que vino a provocar una especie de discordia en el grupo de los veteranos maestros, hasta entonces relativamente unidos, lo que motivó la cesación de aquellas manifestaciones colectivas; Monet, Renoir y Sisley no quisieron tomar parte en la exposición como protesta, y Degas exigió que la palabra "impresionismo" fuera borrada de los anuncios.
De aquí en adelante la generación que en París había, entraba entonces en terreno llano, además era una línea inclinada al análisis, ansiosa de afirmarse de una actitud de radicalismo. La componían jóvenes que eran completamente desconocidos para los impresionistas (excepto para Pisarro, que ya había tratado a algunos). Era comprensible, por tanto, que los componentes del grupo impresionista mirasen con recelo Van Gogh y Cézanne.
El "postimpresionismo" nunca existió como movimiento definido. A diferencia de los distintos grupos y movimientos que puntúan la historia del arte del siglo XX, el postimpresionismo fue una elaboración a posteriori.
Esta denominación fue acuñada por el pintor y critico británico Roger Fry en 1910 con motivo de una exposición de pintura francesa moderna organizada en Londres bajo el tìtulo de "Manet y los postimpresionistas". En esta exposición Cézanne, Gauguin y Van Gogh eran las figuras más destacadas, y por entonces, los tres ya habían muerto.
El propio Roger Fry reconoció la vaguedad del término, ya que no se trataba de pintores que tuvieran mucho en común. Con él apreciaba solo una actitud de superación del impresionismo y una preocupación por nuevas formas de expresión. Sin embargo, el término empezó a ser utilizado porque permitía designar un periodo complejo en el que el impresionismo había entrado en crisis.
Una serie de grandes pintores que habían pasado por esta transición del movimiento, tomaban distintas direcciones que tenían gran incidencia en las generaciones más jóvenes.
La historia del arte demuestra hasta la saciedad que tan bruscos suelen ser los contrastes que marcan los cambios de una generación a la siguiente. Esos traspasos de una generación a otra jamás han sido favorables a la perpetuación de las antiguas normas o la preservación de los prestigios. Generalmente, los que vienen detrás reniegan de lo que se daba ya por establecido y cuando pueden aniquilan también los prestigios personales.
Solución del ProblemaComo ya se sabe desde un principio de este trabajo, Paul Cézanne y Vincent Van Gogh, a pesar de ser parte importante dentro del impresionismo, se terminaron separando de éste, pero, en general, por distintas razones. Para comprobar esto se establecerán las diferencias gruesas que hay entre los trabajos que hicieron siguiendo el estilo impresionista y los que hicieron al final de sus carreras, que son los que estarían mas lejos de esta tendencia.
En el caso de Van Gogh, sus cuadros son difíciles de calificar, debido a que era una persona de un carácter muy cambiante, por lo tanto lo que quería expresar, también lo era. Aún así, hay ciertas características que se pueden diferenciar entre un Van Gogh de 1880 y uno realizado hacia al final de su carrera. Desde el principio y hasta el final de su trabajo se caracterizo por tener un cariño especial hacia las cosas comunes y corrientes, incluso las despreciadas por otros pintores.
Al comenzar con la pintura utilizaba colores sombríos, espesas capas de pintura y mostraba un gusto por la representación de campesinos en sus cabañas o trabajando en los campos. Sus cuadros carecían de todo sentimentalismo, carácter anecdótico o comentario social evidente.
En su búsqueda por la verdad, sus obras llegaron a ganar un gran detalle expresivo, lo que no solo nutre la apariencia de la realidad mostrada, si no que también da expresión su contenido.Finalmente, llegando al final de su carrera, alcanza un colorido en sus obras que estaba destinado a poner de manifiesto sus sentimientos, cosa que ya no formaba parte de la corriente impresionista, ya que esta sólo trata el momento. Así fue como llegó a establecer un código de colores que representaba sus propios sentimientos respecto de la realidad. Un ejemplo:
para Van Gogh el color amarillo representaba el optimismo y el amor, mientras que el rojo y el verde las terribles pasiones humanas.
El estilo de este pintor generó que las líneas futuras de pintores llegaran a establecer corrientes nuevas: el fauvismo y el expresionismo.
EL ARTISTA Y SU CLIENTEContexto histórico.En la segunda mitad del siglo XIX, después de la revolución industrial, había una cantidad importante en la población europea que se puede considerar parte de la burguesía, producto del nuevo sistema capitalista que imponía la ya mencionada revolución.
Era una sociedad fría, que tenia preocupaciones muy distintas a las artísticas, pero esto no impedía que las "modas" ganaran un lugar importante en la pintura dentro de la sociedad.
Función de su arteContribuir a una cultura no alienada en la que el ser humano existe por sí mismo y desarrollar una mirada detenida de la Naturaleza y de los seres humanos.
El artista y su clienteVan Gogh vivió gracias al apoyo económico de su hermano THEO (Cartas a THEO). Tal vez por eso pudo desarrollar un arte independiente del mercado capitalista de la época.
Socio-económicamente hablando ni Van Gogh ni Cézanne dieron importancia al cliente, ya que este es un periodo en el que la pintura era algo meramente personal e individual.
Aún así los receptores eran, casi siempre gente de la clase burguesa o clase aristocrática que tenía un interés "modista" para con la pintura y otras expresiones artísticas. Respecto a la cultura, los receptores no estaban preparados para recibir de buena manera el trabajo de estos pintores que estaban introduciendo un nuevo concepto en la pintura, ya que el público y los críticos estaban acostumbrados a ver y apreciar cuadros que tuvieran un motivo histórico, lo que contradecía claramente la sencillez en los motivos del impresionismo y postimpresionismo.
Además, los intelectuales y artistas consideraban que la nueva cultura burguesa era alienante y que solo en lugares en los que no se había producido la mecanización (Gauguin) era posible experimentar el arte en su pureza. Los grabados japoneses, o la escultura africana, serán modelos a seguir.
Los críticos de la época utilizaban, generalmente los sarcasmos para burlarse de las nuevas tendencias, lo que demuestra un claro disgusto respecto de éstas.
El desprecio que había con los pintores vanguardistas para esa época se debía a una especie de psicología artística general y estaba fundada en la nostalgia y el escepticismo.
El critico de la época llamado George Lieberman, explicando el desprecio hacia las nuevas tendencias, dice que éstas deben enfrentarse a dos generaciones: la contemporánea, que tiene y quiere mantener sus ideas; y las anterior, que casi siempre resulta en exceso conservadora.
Los hombres que se consideraban de ciencia no se interesaron mucho por lo que sucedía artísticamente debido a una gran cantidad de descubrimientos que los mantenía en su campo. Cabe destacar que si ellos hubieran intervenido entre el publico y los artistas no hubiera existido el desprecio que hubo, ya que podrían haber expuesto honestamente las razones del orden físico y óptico que llevo a los artistas a su modesta subversión.
Los clientes ideales hubieran sido gente que culturalmente fuera abierta y fuera poseedora de un gran bagaje idealista, para que pudiese apreciar y entender abiertamente el significado y valor de los sentimientos que estos pintores quisieron expresar en su momento.
Los demás aspectos de los receptores no importan mucho mientras tengan las posibilidades de entender y pensar sobre el contenido de su obra, y que principalmente sienta un gusto por la pintura, para así poder generar una opinión y critica positiva y constructiva.
Van Gogh y Cézanne fueron artistas que pecaron en su época por querer innovar, pero que después fueron valorados en amplitud gracias a la meditación que se hizo sobre sus obras y luego sobre sus personalidades. Van Gogh es hoy uno de los pintores más conocidos en el mundo.
Cada uno empezó como impresionista para después seguir su propio camino desde el punto de vista mas personal, por lo que no solo se distanciaron de los demás pintores si no que se alejaron artísticamente (personalmente nunca estuvieron cerca) entre si, dando paso a nuevas tendencia muy distintas entre si.
Actualmente puede que existan casos como estos, en los que el publico no valora las obras, pero una vez muertos los autores de ellas, con la mente más abierta, se dan cuenta que son grandes e importantes pues miran hacia el futuro.
Quizás éste sea el consejo que pretende dejar el destino al mostrar las vidas de estos artistas, aprender a ver lo que hacen los demás, sin dejar de pensar en la evolución que este pueda tener y la repercusión que ésta pueda tener en los receptores de esta evolución
Van Gogh fue un hombre muy inteligente, sensible y de gran personalidad. Ávido lector de libros de la época, filosofía e historia (como muestran sus cartas) y enterado de las corrientes artísticas y sociales del siglo XIX. Escribió, por ejemplo, “Hay algo de Rembrandt en Shakespeare...de Delacroix en Victor Hugo; y hay algo de Rembrandt en los Evangelios, o algo de los Evangelios en Rembrandt”.
Fue un gran dibujante y colorista brillante. Al principio su dibujo es más marcado, pero al conocer a los impresionistas adopta los toques de color que predominan sobre el dibujo.
Combinó sus conocimientos clásicos con las nuevas tteorías sobre el color, el gusto por el grabado japonés, de colores intensos.
Temas preferidos: flores, girasoles, campesinos (Influencia de Millet, el mar, paisajes.
Uso simbólico del color: cabeza exageradamente rubia sobre fondo azul intenso para crear “el misterioso brillo de una estrella pálida en el infinito” (Cartas a Theo: Primero pinto a mi amigo lo más fielmente posible. Cuando parece que el cuadro está terminado es cuando realmente empieza, porque voy a pintar a mi amigo y sé que sueña grandes sueños, por eso su pelo rubio.......” EXPRESIONISMO; SUBJETIVISMO; SIMBOLISMO DEL COLOR.ICONOGRAFÏA E ICONOLOGÏASe llama iconología a la rama de la simbología y de la semiología que estudia las denominaciones visuales del arte, por ejemplo la representación de las virtudes, vicios y otras cosas morales o naturales, con la figura o apariencia de personas.
Por extensión, se trata de la ciencia que estudia las imágenes, emblemas, alegorías y monumentos con que los artistas han representado a los personajes mitológicos, religiosos o históricos, y se diferencia de la iconografía en que esta tiene por fin la simple descripción de imágenes, mientras que la iconología las estudia en todos sus aspectos, las compara y las clasifica, llegando incluso a formular leyes o reglas para conocer su antigüedad y diversos significados e interpretaciones.
La iconología considerada en toda su amplitud puede dividirse en tres ramas en razón del objeto representado:
Iconología pagana. Comprende las imágenes propias de la idolatría o religiones no cristianas.
Iconología profana o civil. Comprende las figuras de personajes históricos que no sean objeto de culto religioso.
Iconología religiosa. Se refiere a Dios, los ángeles, santos y otras imágenes procedentes de la religión.++++
