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jueves, 26 de mayo de 2011
martes, 17 de mayo de 2011
FRANCISCO DE GOYA Y LUCIENTES
Artehistoria.com
Llegará a ser pintor de cámara del rey Carlos IV. Será un pintor muy prolífico que domina muchos lenguajes artísticos y que será la llave del arte contemporáneo. Sus pinceladas sueltas-como antes las de Velazquez- son el avance del impresionismo. Pero también el expresionismo.
La familia de Carlos IV
Los fusilamientos del 3 de mayo
Las pinturas negras (Por Valeriano Bozal, un gran teórico del arte. Parece mentira que solo tenga 33 reproducciones)
Llegará a ser pintor de cámara del rey Carlos IV. Será un pintor muy prolífico que domina muchos lenguajes artísticos y que será la llave del arte contemporáneo. Sus pinceladas sueltas-como antes las de Velazquez- son el avance del impresionismo. Pero también el expresionismo.
La familia de Carlos IV
Los fusilamientos del 3 de mayo
Las pinturas negras (Por Valeriano Bozal, un gran teórico del arte. Parece mentira que solo tenga 33 reproducciones)
JAN VAN EYCK
¿Quién era Jan Van Eyck?
La técnica de Jan Van Eyck y las características de su obr:
Políptico de Gante, Adoración del Cordero Místico
Autor:Jan Van Eyck
Fecha:1425-29
Museo:Catedral de San Bavón
Características:137,7 x 242,3 cm.
Material:Oleo sobre tabla
Estilo:Pintura Flamenca
Información obtenida en artehistoria.com
El Políptico de Gante también es conocido como del Cordero Místico, precisamente a causa de este panel que es el de mayor tamaño de toda la obra y el de mayor importancia iconográfica. El centro de la escena lo protagoniza el Cordero sobre un altar. Su sangre brota del pecho y llena el cáliz, lo que simboliza la figura de Cristo y su sacrificio en la cruz. Además, sobre él se encuentra la paloma del Espíritu Santo. Le rodean varios ángeles, algunos con los instrumentos de la Pasión (la cruz, la columna, los clavos...) mientras otros aromatizan el aire con incensarios. Ante este grupo central, abajo, tenemos una fuente de bronce con un vástago de oro rematado con la escultura de un ángel. Es la fuente de la vida, de la que mana el agua que da la vida eterna. Es la referencia al Bautismo y la conversión al cristianismo, justo bajo la referencia a la Eucaristía que veíamos en el altar y el cáliz lleno de sangre. La fuente está rodeada por dos semicírculos de personajes arrodillados, en actitud de adoración: a la izquierda están los doce profetas y a la derecha, los catorce apóstoles (incluyen a Matías, Pablo y Bernabé, y no está Judas). Tras ellos, a la izquierda tenemos a los Patriarcas, entre los cuales resulta interesante destacar a uno proveniente del mundo pagano: el hombre con barba que viste una túnica blanca sería el poeta Virgilio, muy popular en la cultura medieval. A la derecha, los papas y obispos. Por último, saliendo del bosque tenemos a los dos grupos de santos mártires, hombres y mujeres. Se les distingue porque llevan las palmas del martirio. Entre las mujeres se reconoce a Santa Ursula, Santa Bárbara, Santa Inés y Santa Dorotea.
La técnica de Jan Van Eyck y las características de su obr:
Políptico de Gante, Adoración del Cordero Místico
Autor:Jan Van Eyck
Fecha:1425-29
Museo:Catedral de San Bavón
Características:137,7 x 242,3 cm.
Material:Oleo sobre tabla
Estilo:Pintura Flamenca
Información obtenida en artehistoria.com
El Políptico de Gante también es conocido como del Cordero Místico, precisamente a causa de este panel que es el de mayor tamaño de toda la obra y el de mayor importancia iconográfica. El centro de la escena lo protagoniza el Cordero sobre un altar. Su sangre brota del pecho y llena el cáliz, lo que simboliza la figura de Cristo y su sacrificio en la cruz. Además, sobre él se encuentra la paloma del Espíritu Santo. Le rodean varios ángeles, algunos con los instrumentos de la Pasión (la cruz, la columna, los clavos...) mientras otros aromatizan el aire con incensarios. Ante este grupo central, abajo, tenemos una fuente de bronce con un vástago de oro rematado con la escultura de un ángel. Es la fuente de la vida, de la que mana el agua que da la vida eterna. Es la referencia al Bautismo y la conversión al cristianismo, justo bajo la referencia a la Eucaristía que veíamos en el altar y el cáliz lleno de sangre. La fuente está rodeada por dos semicírculos de personajes arrodillados, en actitud de adoración: a la izquierda están los doce profetas y a la derecha, los catorce apóstoles (incluyen a Matías, Pablo y Bernabé, y no está Judas). Tras ellos, a la izquierda tenemos a los Patriarcas, entre los cuales resulta interesante destacar a uno proveniente del mundo pagano: el hombre con barba que viste una túnica blanca sería el poeta Virgilio, muy popular en la cultura medieval. A la derecha, los papas y obispos. Por último, saliendo del bosque tenemos a los dos grupos de santos mártires, hombres y mujeres. Se les distingue porque llevan las palmas del martirio. Entre las mujeres se reconoce a Santa Ursula, Santa Bárbara, Santa Inés y Santa Dorotea.
3D. MUEVE LAS PASIONES DE LA RED
Con casi 5 millones de visitantes. Aunque da un poco de miedo con el cuchillo.
MICHELLE PHAN
Alguien se puede preguntar la razón por la que le dedico un post a esta joven vietnamita residente en los Estados Unidos. Siempre resulta muy difícil explicar el momento histórico que nos ha tocado vivir. Hay falta de perspectiva para poder interpretar sin correr riesgos. Sin embargo el contexto en el que se desarrolla el arte es muy importante para poder interpretar el mismo y para saber si una obra responde o no a la debida innovación que desde el Renacimiento se le exige al mismo. En la Edad Media, al artesano se le pedían buenos materiales y una factura perfecta. La competencia estaba prohibida por las estrictas reglas del gremio y los trabajos se hacían por encargo. Todo lo contrario del mundo capitalista en el que se produce y luego se espera que el mercado lo regule todo. Pero en el Renacimiento surgen las élites culturales y el artista se convierte en un genio capaz de interpretar el mundo que le ha tocado vivir.
Nadie dudará de que nuestra época es muy sofisticada, ni que vivimos una revolución de las comunicaciones que nos permiten saber de manera instantánea lo que sucede en el mundo. Hoy el conocimiento es muy amplio y muchas veces estamos limitados por el espacio en el que se desarrolla nuestra existencia. Pero a través de Internet podemos acceder a otros mundos, aunque sea de una forma artificial o virtual. Navegando a la deriva y sin saber cómo llegas a determinados documentos (textos, vídeos, periódicos, redes sociales...) que te presentan hechos insólitos. Pero también te permiten ver, en este mundo globalizado, lo que atrae el interés de la gente. Hay vídeos que tienen tantos seguidores que nos están informando de algo.
Otro matiz que me llama la atención es la fuerte presencia de los asiáticos. Hoy voy a comentar el caso de una joven vietnamita, Michelle Phan. Seguro que muchos de vosotros la conoceréis, si navegais a menudo por Internet. Nació el año 1987 y hoy tiene 24 años. Es una chica que se ha hecho a sí misma a través de unos vídeos sobre maquillaje. En wikipedia podemos leer sobre ella:
"(...) Michelle Phan es una vietnamita estadounidense, conocida por crear tutoriales de maquillaje y belleza, y videos con trucos en Youtube. Michelle Phan es una portavoz de videos para Lancome. Además, Phan es creadora y propietaria de la línea de cuidado para la piel IQQU.
En julio del 2010, fue "la primera estilista de belleza hecha a sí misma en YouTube".1 Michelle Phan se unió a Youtube el 18 de julio del 2006, y para junio del 2010, ya había creado 100 videos que han sido vistos más de 150.000.000 veces.2 3 Michelle Phan también ha sido conocida por su apodo "Ricebunny" que utiliza en su sitio en la red social Xanga, desde 20044 y actualmente utiliza el servicio Twitter. Es hija de inmigrantes vietnamitas. Nació en Massachusetts. (...)"
Hay vídeos que tienen más de 20 millones de visitantes. Es decir, muchos más que los oficiales de Lancôme en los que han participado estrellas de cine conocidas. Por ejemplo:
El siguiente vídeo propaganda de Lancôme con Penélope Cruz tiene cerca de 90.000 visitas
El de Elettra Rossellini no llega a 11.000
El de Michelle Phan de Lancôme tiene 2.741.716
En el anuncio de Valentine´s cuenta con 6.388.478
Pero donde triunfa la chica es en sus tutoriales, en muchos de los cuales usa pinturas que parecen de broma, que parecen baratas, de su marca:
Cerca de 10 millones de visitas
Tutorial para parecerse a Lady Gaga: más 21 millones de visitas:
O el vídeo de como pintarse como una Barbie (en el que podemos ver las pinturas de la marca IQUU). 13 millones y medio de visitas.
¿Qué está pasando? Parece que la gente joven desprecias las imagenes que les ofrecen las grandes marcas. ¿Será porque el estilo no es el suyo, porque lo ven inasequible, porque no les gusta la imagen?
Per hay otros vídeos (también una asiática) que tienen muchos visitantes. Por qué la gente los visita, en este caso, entra dentro de los misterios de la red: 8.821.633 . No se si alguien sería capaz de explicar la causa de este fenómeno.
Nadie dudará de que nuestra época es muy sofisticada, ni que vivimos una revolución de las comunicaciones que nos permiten saber de manera instantánea lo que sucede en el mundo. Hoy el conocimiento es muy amplio y muchas veces estamos limitados por el espacio en el que se desarrolla nuestra existencia. Pero a través de Internet podemos acceder a otros mundos, aunque sea de una forma artificial o virtual. Navegando a la deriva y sin saber cómo llegas a determinados documentos (textos, vídeos, periódicos, redes sociales...) que te presentan hechos insólitos. Pero también te permiten ver, en este mundo globalizado, lo que atrae el interés de la gente. Hay vídeos que tienen tantos seguidores que nos están informando de algo.
Otro matiz que me llama la atención es la fuerte presencia de los asiáticos. Hoy voy a comentar el caso de una joven vietnamita, Michelle Phan. Seguro que muchos de vosotros la conoceréis, si navegais a menudo por Internet. Nació el año 1987 y hoy tiene 24 años. Es una chica que se ha hecho a sí misma a través de unos vídeos sobre maquillaje. En wikipedia podemos leer sobre ella:
"(...) Michelle Phan es una vietnamita estadounidense, conocida por crear tutoriales de maquillaje y belleza, y videos con trucos en Youtube. Michelle Phan es una portavoz de videos para Lancome. Además, Phan es creadora y propietaria de la línea de cuidado para la piel IQQU.
En julio del 2010, fue "la primera estilista de belleza hecha a sí misma en YouTube".1 Michelle Phan se unió a Youtube el 18 de julio del 2006, y para junio del 2010, ya había creado 100 videos que han sido vistos más de 150.000.000 veces.2 3 Michelle Phan también ha sido conocida por su apodo "Ricebunny" que utiliza en su sitio en la red social Xanga, desde 20044 y actualmente utiliza el servicio Twitter. Es hija de inmigrantes vietnamitas. Nació en Massachusetts. (...)"
Hay vídeos que tienen más de 20 millones de visitantes. Es decir, muchos más que los oficiales de Lancôme en los que han participado estrellas de cine conocidas. Por ejemplo:
El siguiente vídeo propaganda de Lancôme con Penélope Cruz tiene cerca de 90.000 visitas
El de Elettra Rossellini no llega a 11.000
El de Michelle Phan de Lancôme tiene 2.741.716
En el anuncio de Valentine´s cuenta con 6.388.478
Pero donde triunfa la chica es en sus tutoriales, en muchos de los cuales usa pinturas que parecen de broma, que parecen baratas, de su marca:
Cerca de 10 millones de visitas
Tutorial para parecerse a Lady Gaga: más 21 millones de visitas:
O el vídeo de como pintarse como una Barbie (en el que podemos ver las pinturas de la marca IQUU). 13 millones y medio de visitas.
¿Qué está pasando? Parece que la gente joven desprecias las imagenes que les ofrecen las grandes marcas. ¿Será porque el estilo no es el suyo, porque lo ven inasequible, porque no les gusta la imagen?
Per hay otros vídeos (también una asiática) que tienen muchos visitantes. Por qué la gente los visita, en este caso, entra dentro de los misterios de la red: 8.821.633 . No se si alguien sería capaz de explicar la causa de este fenómeno.
domingo, 15 de mayo de 2011
DONATELLO
Información obtenida en wikipedia
Donatello (Donato di Niccolò di Betto Bardi) (Florencia, Italia, 1386 – ibídem, 13 de diciembre de 1466) fue un famoso artista y escultor italiano de principios del Renacimiento. Junto con Leon Battista Alberti, Brunelleschi y Masaccio, fue uno de los padres del Renacimiento. Donatello destacó en una fuerza innovadora en el campo de la escultura monumental y en el tratamiento de los relieves, donde logró representar una gran profundidad dentro de un mínimo plano, denominándose con el nombre de stiacciato, es decir «relieve aplanado o aplastado».
El David de mármol para la catedral de Santa María del Fiore en Florencia, fue su primera obra documentada en 1408. En los años sucesivos realizó numerosas obras en mármol, terracota, bronce y madera para diversos mecenas y ciudades. Regresó a Florencia en el año 1459 con el encargo de modelar unas placas en bronce para la Basílica de San Lorenzo y durante su elaboración falleció en diciembre de 1466.
Entre sus obras más importantes destacan el David de bronce en el museo del Bargello, el Púlpito exterior de la catedral de Prato, la estatua ecuestre de Gattamelata en Padua, la María Magdalena penitente en el museo dell'Opera del Duomo en Florencia y Judith y Holofernes en el Palacio Vecchio.
David de bronce
Detalles del David de bronce realizado por Donatello.
Uno de los principales encargos de Cosme de Médici fue la obra del David realizada hacia 1440, para situarla en los jardines de su palacio de Florencia, donde permaneció hasta el año 1495, cuando Piero de Médici fue expulsado de la ciudad y la estatua trasladada al patio del Palazzo Vecchio. En la actualidad se encuentra en el Museo del Bargello.54
Es una obra representativa del Quattrocento italiano, con la exaltación del cuerpo humano, que por primera vez se representaba desnudo en bronce, de tamaño natural, desde la Antigüedad clásica.55 Donatello representó un gran conocimiento de los clásicos unido al concepto humanista del renacimiento, buscando la perfección de la belleza en el cuerpo del joven David. El cuerpo está modelado por amplias y sencillas masas, con composiciones en diagonales, que demuestran el claro contorno de sus líneas.56
Se encuentra la escultura firmemente apoyada sobre su pierna derecha, y el pie izquierdo sobre la cabeza de Goliat vencido, con una pose marcadamente descuidada, donde se muestra una influencia clara del estilo de Praxíteles, que se conoce también como contrapposto.
Vasari en su descripción, nos la describe como si de un vaciado del natural fuese:« ... ese cuerpo es tan natural, vívido y delicado que a los artistas les parece que debe haber sido moldeado sobre el cuerpo de una persona viva.»
Estatua ecuestre de Gattamelata en Padua.
El principal motivo de su estancia en Padua fue el erigir la estatua ecuestre del condottiero Erasmo de Narni, Gattamelata.
Considerado como un monumento más funerario que para glorificar al héroe, Donatello creó un cenotafio,70 Lo representó, según la tradición del Trecento, como se había realizado en pintura por Simone Martini (1328) en unos frescos del Palacio Comunal de Siena i Paolo Uccello en 1436 en el cuadro pintado de John Hawkwood (Giovanni Acuto) de la catedral de Florencia. Sin embargo, en la escultura de tema ecuestre no se realizaba en sentido monumental desde la Antigüedad clásica, creyéndose que el escultor tomó como modelo la de Marco Aurelio de Roma. Se aprecia el arte antiguo por su tratamiento clásico, siendo una de sus esculturas más influyentes en otras posteriores realizadas por diversos artistas. Según Vasari:
En esta obra, Donatello demostró tanto arte, y la fundición resultó tan notable, en las proporciones y en su bondad, que en verdad se la puede comparar con las mejores estatuas de la Antigüedad, por su movimiento, dibujo, proporciones y ejecución. Por eso, no sólo llenó de asombro a los hombres de aquel entonces, sino que aún ahora no nos es posible, contemplarla sin admiración.
Vasari
La escultura presenta el momento en el que Gattamelata cabalga pausadamente, sobre su caballo (con clara evocación a los de San Marcos de Venecia). El personaje mira de frente desafiante y enérgico, su rostro está tratado como un retrato romano.71 El conjunto de jinete y caballo están colocados sobre un gran pedestal de dos pisos con relieves de angelillos dolientes y en dos de sus lados unas puertas de mármol, que imitan a los sarcófagos clásicos: las puertas de Hades.
San Jorge
Magdalena penitente
El año 1453 fue cuando Donatello regresó a su ciudad natal de Florencia y cuando recibió el encargo, se cree que para el baptisterio de San Juan de Santa María del Fiore de una imagen de María Magdalena penitente, que se encuentra en el Museo dell’Opera del Duomo desde el año 1972
Donatello se inspiró en la La leyenda dorada de Jacobo de Vorágine, donde narra el retiro de María Magdalena, para conseguir la redención de sus pecados. Peregrinó e hizo vida de ermitaña, se cree en la parte meridional de Francia. Así la representó Donatello, realizada en madera policromada, en edad ya madura demacrada por el sufrimiento, vestida con una ajada prenda de piel y con una larga cabellera cubriéndole el cuerpo, se encuentra de pie, con las manos huesudas unidas en actitud de oración, la expresión de su rostro revela la fatiga y el dolor por el que ha pasado, con los ojos hundidos y una dentadura que se aprecia mellada a través de su boca entreabierta, tiene los pómulos muy pronunciados por la extrema delgadez que también se aprecia en los brazos y piernas, donde se marcan los músculos anatómicos perfectos
Anteriormente había ya mostrado Donatello, un gran expresionismo con el San Juan Bautista de madera, realizado para Venecia, aunque es en esta etapa florentina de sus últimos años donde mejor y con más intensidad lo muestra en el San Juan Bautista de bronce realizado para Siena y especialmente en esta escultura de María Magdalena penitente, cuyo expresionismo se puede comparar a las versiones barrocas de este mismo tema.
MÁS INFORMACIÓN EN WIKIPEDIA
Donatello (Donato di Niccolò di Betto Bardi) (Florencia, Italia, 1386 – ibídem, 13 de diciembre de 1466) fue un famoso artista y escultor italiano de principios del Renacimiento. Junto con Leon Battista Alberti, Brunelleschi y Masaccio, fue uno de los padres del Renacimiento. Donatello destacó en una fuerza innovadora en el campo de la escultura monumental y en el tratamiento de los relieves, donde logró representar una gran profundidad dentro de un mínimo plano, denominándose con el nombre de stiacciato, es decir «relieve aplanado o aplastado».
El David de mármol para la catedral de Santa María del Fiore en Florencia, fue su primera obra documentada en 1408. En los años sucesivos realizó numerosas obras en mármol, terracota, bronce y madera para diversos mecenas y ciudades. Regresó a Florencia en el año 1459 con el encargo de modelar unas placas en bronce para la Basílica de San Lorenzo y durante su elaboración falleció en diciembre de 1466.
Entre sus obras más importantes destacan el David de bronce en el museo del Bargello, el Púlpito exterior de la catedral de Prato, la estatua ecuestre de Gattamelata en Padua, la María Magdalena penitente en el museo dell'Opera del Duomo en Florencia y Judith y Holofernes en el Palacio Vecchio.
David de bronce
Detalles del David de bronce realizado por Donatello.
Uno de los principales encargos de Cosme de Médici fue la obra del David realizada hacia 1440, para situarla en los jardines de su palacio de Florencia, donde permaneció hasta el año 1495, cuando Piero de Médici fue expulsado de la ciudad y la estatua trasladada al patio del Palazzo Vecchio. En la actualidad se encuentra en el Museo del Bargello.54
Es una obra representativa del Quattrocento italiano, con la exaltación del cuerpo humano, que por primera vez se representaba desnudo en bronce, de tamaño natural, desde la Antigüedad clásica.55 Donatello representó un gran conocimiento de los clásicos unido al concepto humanista del renacimiento, buscando la perfección de la belleza en el cuerpo del joven David. El cuerpo está modelado por amplias y sencillas masas, con composiciones en diagonales, que demuestran el claro contorno de sus líneas.56
Se encuentra la escultura firmemente apoyada sobre su pierna derecha, y el pie izquierdo sobre la cabeza de Goliat vencido, con una pose marcadamente descuidada, donde se muestra una influencia clara del estilo de Praxíteles, que se conoce también como contrapposto.
Vasari en su descripción, nos la describe como si de un vaciado del natural fuese:« ... ese cuerpo es tan natural, vívido y delicado que a los artistas les parece que debe haber sido moldeado sobre el cuerpo de una persona viva.»
Estatua ecuestre de Gattamelata en Padua.
El principal motivo de su estancia en Padua fue el erigir la estatua ecuestre del condottiero Erasmo de Narni, Gattamelata.
Considerado como un monumento más funerario que para glorificar al héroe, Donatello creó un cenotafio,70 Lo representó, según la tradición del Trecento, como se había realizado en pintura por Simone Martini (1328) en unos frescos del Palacio Comunal de Siena i Paolo Uccello en 1436 en el cuadro pintado de John Hawkwood (Giovanni Acuto) de la catedral de Florencia. Sin embargo, en la escultura de tema ecuestre no se realizaba en sentido monumental desde la Antigüedad clásica, creyéndose que el escultor tomó como modelo la de Marco Aurelio de Roma. Se aprecia el arte antiguo por su tratamiento clásico, siendo una de sus esculturas más influyentes en otras posteriores realizadas por diversos artistas. Según Vasari:
En esta obra, Donatello demostró tanto arte, y la fundición resultó tan notable, en las proporciones y en su bondad, que en verdad se la puede comparar con las mejores estatuas de la Antigüedad, por su movimiento, dibujo, proporciones y ejecución. Por eso, no sólo llenó de asombro a los hombres de aquel entonces, sino que aún ahora no nos es posible, contemplarla sin admiración.
Vasari
La escultura presenta el momento en el que Gattamelata cabalga pausadamente, sobre su caballo (con clara evocación a los de San Marcos de Venecia). El personaje mira de frente desafiante y enérgico, su rostro está tratado como un retrato romano.71 El conjunto de jinete y caballo están colocados sobre un gran pedestal de dos pisos con relieves de angelillos dolientes y en dos de sus lados unas puertas de mármol, que imitan a los sarcófagos clásicos: las puertas de Hades.
San Jorge
Magdalena penitente
El año 1453 fue cuando Donatello regresó a su ciudad natal de Florencia y cuando recibió el encargo, se cree que para el baptisterio de San Juan de Santa María del Fiore de una imagen de María Magdalena penitente, que se encuentra en el Museo dell’Opera del Duomo desde el año 1972
Donatello se inspiró en la La leyenda dorada de Jacobo de Vorágine, donde narra el retiro de María Magdalena, para conseguir la redención de sus pecados. Peregrinó e hizo vida de ermitaña, se cree en la parte meridional de Francia. Así la representó Donatello, realizada en madera policromada, en edad ya madura demacrada por el sufrimiento, vestida con una ajada prenda de piel y con una larga cabellera cubriéndole el cuerpo, se encuentra de pie, con las manos huesudas unidas en actitud de oración, la expresión de su rostro revela la fatiga y el dolor por el que ha pasado, con los ojos hundidos y una dentadura que se aprecia mellada a través de su boca entreabierta, tiene los pómulos muy pronunciados por la extrema delgadez que también se aprecia en los brazos y piernas, donde se marcan los músculos anatómicos perfectos
Anteriormente había ya mostrado Donatello, un gran expresionismo con el San Juan Bautista de madera, realizado para Venecia, aunque es en esta etapa florentina de sus últimos años donde mejor y con más intensidad lo muestra en el San Juan Bautista de bronce realizado para Siena y especialmente en esta escultura de María Magdalena penitente, cuyo expresionismo se puede comparar a las versiones barrocas de este mismo tema.
MÁS INFORMACIÓN EN WIKIPEDIA
sábado, 14 de mayo de 2011
LA EDUCACIÓN EN CHINA
Viendo tantos vídeos de niños prodigio en China, he sentido la curiosidad de buscar la razón. He encontrado este vídeo de un abogado chileno, conocedor del país, qué explica el afán de superación de la sociedad china actual. Aunque muchos de los niños que he seleccionado, a pesar de su corta edad, son realmente virtuosos.
Una educación estricta orientada a un fin
De niños a mayores
Educación en China
La estricta educación japonesa
Una educación estricta orientada a un fin
De niños a mayores
Educación en China
La estricta educación japonesa
JOVENES GENIOS
Navegando por youtube te encuentras con vídeos como los que siguen. Como una gran mayoría de estos jóvenes talentos son asiáticos también encontramos comentarios como el que sigue:
"Oh, Asian people explore kids making them to learn something that will be good for their entire life? hmmm, I am not asian, but let me ask you this: What YOU DID during all your young years? Playing VideoGame, wathing TV and eating hamburgers to get a little FATTY kid? Yeah, I know, you are special. At least those kids can say they CAN DO something RIGHT...along with math, geography, history and sciences at school. Now, what is YOUR EXCUSE for not even know a second language? Yeah, special."
Pasando a los vídeos:
En el caso que sigue solo lleva un mes tocando el piano.
"Oh, Asian people explore kids making them to learn something that will be good for their entire life? hmmm, I am not asian, but let me ask you this: What YOU DID during all your young years? Playing VideoGame, wathing TV and eating hamburgers to get a little FATTY kid? Yeah, I know, you are special. At least those kids can say they CAN DO something RIGHT...along with math, geography, history and sciences at school. Now, what is YOUR EXCUSE for not even know a second language? Yeah, special."
Pasando a los vídeos:
En el caso que sigue solo lleva un mes tocando el piano.
viernes, 13 de mayo de 2011
MIDNIGHT IN PARIS DE WOODY ALLEN
Un análisis desde el punto de vista del arte de la última película de Woody Allen
Sorprende que Woody Allen haya elegido una pintura dl atormentado Van Gogh -Noche estrellada- para ambientar el paseo del protagonista por el río Sena en su última película "Midnight in Paris" en el póster de presentación de la misma. Aunque el resultado de la imagen es diferente al del cuadro del pintor. Mientras que el cuadro produce cierto desasosiego, el cartel de la película ofrece una atmósfera mágica pero amable del paseo del Sena.
Vamos a analizar las diferencias.
1.-Aspecto iconológico
En el cuadro de Van Gogh el protagonista es el cielo en el que aparecen enormes estrellas en medio de una vorágine ondulante. Cuando lo pintó Vincent se encontraba recluido en el manicomio de Saint-Rémy desde el mes de mayo de 1889 y muestra en sus imágenes lo que contempla desde su ventana, un año antes de que se suicidara. La naturaleza lo envuelve todo, representa una fuerza incontrolable. El ser humano solo queda sugerido por el pueblo al fondo del paisaje. Esta falta de humanismo en una época dura de industrialización y cambios, con sus consecuencias para los más pobres. Los problemas económicos del pintor, que sobrevivía gracias a la modesta ayuda de su hermano Theo llevaron a Vicent a la locura. Van Gogh es además un holandés que también trabajó y pintó en Paris, produciendo obras alejadas de esta noche estrellada.
Las obras de la etapa parisina en las que Van Gogh pintaba en la Grande Jatte, son mucho más optimistas y estables, en las que podemos ver como transforma de manera expresionista, los grises espacios que retrata:
Cuando pintó la Noche estrellada estabe ingresado por una de sus crisis mentales. Seguramente Van Gogh se debía sentir así, indefenso ante las adversidades de la vida e incluso ante si mismo, incapaz de superar su angustia depresiva.
Los colores llamativos y las líneas en espiral del cielo y del ciprés reproducen la inestabilidad de su estado de ánimo y la necesidad de descargar esta frustración que le inundaba por dentro. El ciprés gigante seguramente es una alusión a la muerte.
En el poster de la película el ser humano es el protagonista que pasea apaciblemente a lo largo del río con las manos en los bolsillos. A sus espaldas el paisaje se convierte en un cuadro pintado con las grandes pinceladas de Van Gogh. Pero aquí no hay dramatismo. El personaje no sufre. Parece más bien transportado por los sueños a un mundo diferente, irreal, solo con sus sueños en este paseo nocturno, pero iluminado por las estrellas hasta casi parecer de día. El ambiente no es amenazador. En principio se hace un uso banal, posmoderno, de esta obra maestra de Van Gogh, desprovisto de su significado original.
2.-Composición.
En el cuadro de Vincent no existen las coordenadas clásicas (líneas perpendiculares y horizontales) que controlen la composición, para producir la sensación de calma. Solo el ciprés se mantiene enhiesto, es el gran protagonista; parece vivo gracias a la predominante línea ondulada. Pero todos sabemos que el ciprés-eliminado en el póster- es símbolo de la muerte. Es un árbol sagrado. En nuestra civilización occidental, desde la época greco-romana, se le relaciona con las divinidades del infierno; es el árbol de las regiones subterráneas; está ligado al culto de Plutón, dios de los infiernos y adorna los cementerios. El ciprés ha desaparecido del póster de Allen, suprimiendo de esta forma toda referencia dramática.
En el cuadro de Van Gogh, al margen del ciprés, el resto de líneas compositivas es oblicuo y ondulante. No hay donde poner el pie para sentirse a salvo de esta Naturaleza inquietante que lo invade todo.
En el poster de Allen hay una clara línea horizontal que contrarresta la oblicua del río, que junto a la vertical del personaje-colocado en el centro- controlan la composición dando lugar a una imagen más moderada que no produce desasosiego, sino todo lo contrario. El cuadro de Van Gogh se convierte así en una decoración preciosista en la que se mueve el personaje.
3.-Representación formal
En el cuadro de Van Gogh todo es expresión. La totalidad está tratada con grandes pinceladas expresivas, no hay dibujo previo. En el cartel existe la dualidad. El personaje es real, una fotografía, insertada en un paisaje subjetivo en parte. pero en el que las casas del primer plano son también realistas (es la misma fotografía. retocada con grandes pinceladas al estilo de Van Gogh en la parte posterior al hombre que pasea por el Sena). Subjetividad-objetividad coinciden en el cartel. Hay sueño, pero hay también realidad bien definida.
4.-Colorido
El cartel -por lo menos lo que podemos ver en Internet- ha eliminado los tonos violetas del cuadro original. Solo amarillo y azul, eliminando los tonos más sombríos. Todo es más amable.
Conclusión
El cartel nos muestra una utilización del cuadro de Van Gogh con un sentido absolutamente diferente al del autor. Se hace un uso del arte de tipo decorativista en el que han desaparecido los elementos más comprometedores de la obra.
A partir del cartel no creo que se deba esperar una cinta de carácter analítico, sino más bien un ejercicio esteticista.
LAS IMAGENES QUE NOS PROPORCIONA EL TRAILER DE LA PELÍCULA
La presentación de París a través de diferentes momentos del día, parece una sucesión de postales románticas de la ciudad, que nos recuerdan las que podemos encontrar en las tiendecitas de los buquinistas a lo largo del Sena:
Son imágenes preciosistas que presentan una ciudad de ensueño en la que se mueven los personajes, procedentes de la clase elevada, que se alojan en un hotel caro. El escritor norteamericano, yerno de una pareja de republicanos, se siente atraído por la supuesta vida bohemia de París. Incluso la mujer del presidente de la República francesa, Carla Bruni, tiene un papel en esta película de "Beutiful people". Parece que fue cenando en casa de Sarkozy cuando conoció Allen a Carla Bruni. Con esas amistades no es de extrañar el tono de la película. Pero entonces aún se entiende menos la relación con el cartel de la película. En un contexto de crisis como la que vivimos. Woody Allen se aleja de los problemas sociales de París, reflejados por películas como La Haine. Ya sabemos que este no es el estilo de Woody Allen. Pero cuando realizaba sus mejores películas parecía que el mundo (el occidental, por supuesto) iba a alguna parte. Hoy con la crisis ya es diferente. Por eso Midnight in Paris parece una película romántica de evasión que atraerá a muchos autoconsiderados cultos.
MATIZACIÓN
Tal vez Woody Allen nos ha querido decir con este póster que tendemos a idealizar el pasado, eliminando todas las referencias negativas del mismo. Pero no sabemos si esa ha sido su intención o no. En principio, la estética es posmoderna, vacía de contenido. Por las críticas a la película parece que el film opta por un todo desenfadado y cómico. Aunque los conocedores del arte se pueden sentir defraudados.
MASACCIO
Masaccio. QUATROCENTO
Información obtenida en Wikipedia
A pesar de la brevedad de su vida, su obra tuvo una importancia decisiva en la historia de la pintura: generalmente se considera que fue el primero en aplicar a la pintura las leyes de la perspectiva científica, desarrolladas por Brunelleschi.
Biografía
Nació en Castel San Giovanni, hoy San Giovanni Valdarno, el 21 de diciembre de 1401, hijo del notario Giovanni di Mone Cassai y de su esposa Jacopa di Martinozzo. El apellido Cassai procede del nombre de la actividad a que se dedicaba la familia paterna de Masaccio: eran ebanistas (en italiano, cassai). En 1406, coincidiendo con el nacimiento del segundo hijo del matrimonio, Giovanni —que recibiría luego el sobrenombre de «el Scheggia»—, muere el padre. La madre volvió a contraer matrimonio con el mercader de especias Tedesco di Mastro Feo, también viudo, y con dos hijas, que murió el 7 de agosto de 1417.
Masaccio se trasladó a Florencia entre 1417 y 1421, tal vez a causa de la muerte de su padrastro. Existen documentos que demuestran que la madre de Masaccio alquiló una casa en esta ciudad, en el barrio de San Niccolò Oltrarno, seguramente como vivienda para su hijo, ya que ella continuó viviendo en casa de su difunto marido. Es posible que el joven artista comenzara su andadura en Florencia. El 7 de enero de 1422 se inscribió en el Arte (gremio) de médicos y especieros, lo cual indica que ejercía ya como pintor autónomo en la ciudad del Arno.
Su primera obra segura es el tríptico para San Juvenal de Casia, que lleva la fecha, en la tabla central, de 23 de abril de 1422. Es posible, según da a entender Vasari, que en 1423 Masaccio realizase un viaje a Roma, con motivo del jubileo. En 1424 se inscribió en la Compañía de San Lucas de Florencia. Posiblemente este año o en 1425 comenzó a colaborar con Masolino en los frescos de la capilla Brancacci de la iglesia de Santa María del Carmine de dicha ciudad. En febrero de 1426 empezó el Políptico de Pisa, trabajo que le ocuparía durante casi todo el año.
En 1428 se trasladó a Roma, invitado por el cardenal Brando da Castiglione para decorar la capilla de San Clemente en la iglesia homónima. En Roma trabajó en el Políptico de Santa María Mayor, del cual se conservan los «Santos Jerónimo y Juan Bautista» (actualmente en la National Gallery de Londres). Murió en Roma en otoño de 1428, cuando contaba sólo veintisiete años de edad. Algunas fuentes antiguas mencionan el rumor de que fue envenenado.
Obra
Tríptico de San Juvenal
El tríptico de San Juvenal era una obra desconocida de Masaccio, no mencionada por su biógrafo Giorgio Vasari, que fue descubierta en 1961. La pintura se compone de tres tablas: la central representa a la Virgen con el Niño, flanqueados por dos ángeles; en los paneles laterales aparecen parejas de santos: San Bartolomé y San Blas en el de la izquierda, y San Juvenal y San Antonio Abad en el de la derecha. En la tabla central figura la inscripción que ha permitido datar la obra: ANNO DOMINI MCCCCXXII A DI VENTITRE D’AP[RILE]. La composición está construida de acuerdo con las leyes de la perspectiva: las líneas de fuga del pavimento de los tres paneles convergen en un punto de fuga central, representado por la mano derecha de la Virgen, que sostiene los pies del Niño.
Capilla Brancacci
En 1424, Masaccio y Masolino comenzaron la decoración de la Capilla Brancacci, en el transepto de la iglesia de Santa María del Carmine. La capilla había sido construida de acuerdo con las disposiciones testamentarias de Pietro Brancacci, pero fue Felice Brancacci, próspero mercader en sedas que había desempeñados varios cargos políticos importantes en Florencia, quien encomendó la decoración de la capilla a Masaccio y Masolino. Los dos pintores trabajaron de forma perfectamente coordinada: ambos trabajaron en las dos paredes de la capilla, y dieron una gran unidad a la composición, gracias al empleo de una misma gama cromática, y de un único punto de vista (el de un espectador situado en el centro de la capilla). Cuando Masolino marchó a Hungría, en septiembre de 1425, Masaccio continuó trabajando en solitario. Más adelante, tras la partida a Roma y posterior muerte de Masaccio, el trabajo quedó interrumpido. En 1436 Felice Brancacci fue desterrado de Florencia al subir al poder la familia Médici. La decoración de la capilla sólo fue terminada en 1481 por Filippino Lippi. Entre 1746 y 1748 se realizaron importantes transformaciones en la capilla, y en 1781 sufrió importantes deterioros a causa de un incendio que ennegreció los frescos.
Los frescos se distribuyen en dos niveles horizontales a lo largo de las dos paredes de la capilla (originalmente había también pinturas en los lunetos y en la bóveda, todas ellas obra de Masolino). Se sigue el esquema característico de la pintura florentina al fresco, consistente en ordenar las composiciones como si fuesen cuadros colocados en el muro, y, para destacar esta idea, cada escena está enmarcada por pilares clásicos y capiteles corintios pintados.
La expulsión de Adán y Eva del paraíso terrenal, antes y después de la restauración.
El tema principal de los frescos es la historia de la vida de san Pedro, patrón de los marineros y comerciantes del mar, y hay también algunas referencias al Génesis, concretamente a la historia de Adán y Eva. El programa iconográfico se ha interpretado en relación con la personalidad del comitente: Felice Brancacci había sido uno de los primeros cónsules del mar de Florencia en 1421.
Programa iconográfico
1. Cuerpo superior:
La expulsión de Adán y Eva del paraíso terrenal (Masaccio)
▪ El tributo (Masaccio)
▪ Predicación de San Pedro (Masolino)
▪ Bautismo de los neófitos (Masaccio)
▪ Resurrección de Tabita (Masolino, con intervenciones de Masaccio)
▪ Adán y Eva en el paraíso terrenal (Masolino)
2. Cuerpo inferior:
▪ San Pedro en la cárcel visitado por San Pablo (Filippino Lippi)
▪ La resurrección del hijo de Teófilo y San Pedro en la cátedra (Masaccio)
▪ San Pedro cura a los enfermos con su sombra (Masaccio)
▪ La distribución de los bienes y la muerte de Ananías (Masaccio)
▪ Disputa de San Pedro con Simón Mago y muerte de San Pedro (Filippino Lippi)
▪ San Pedro liberado de la cárcel (Filippino Lippi)
Las fuentes son los Hechos de los Apóstoles, para las pinturas relacionadas con San Pedro, los Evangelios, para el fresco de El tributo, y el Génesis, para las dos escenas de Adán y Eva.
En el muro lateral izquierdo se encuentran cuatro escenas compuestas por Masaccio: dos en la parte superior, La expulsión de Adán y Eva del paraíso terrenal, El tributo; y dos en la inferior, La resurrección del hijo de Teófilo y San Pedro en la cátedra, y San Pedro cura a los enfermos con su sombra. Junto a estas obras de Masaccio se encuentran otras de Masolino, y algunas posteriores de Filippino Lippi.
En el muro lateral derecho se encuentran, en la parte superior, El bautismo de los néofitos; y en la inferior La distribución de los bienes y la muerte de Ananías. Además, se cree que son también obra de Masaccio los edificios que aparecen al fondo del fresco de Masolino sobre la Resurrección de Tabita.
Análisis estilístico
La expulsión de Adán y Eva del paraíso terrenal: se compara frecuentemente esta pintura con la de Adán y Eva en el paraíso terrenal, realizada por Masolino en la pared de enfrente. Mientras que la obra de Masolino pertenece todavía al gótico, en la de Masaccio está ya presente el Renacimiento. El tratamiento del desnudo remite a modelos de la Antigüedad (para Adán, se ha pensado que Masaccio pudo haberse inspirado en estatuas de Marsias o de Laoconte; para Eva, alguna de las venus púdicas romanas). El patetismo de la escena se acentúa con el grito doloroso de Eva y el vientre contraído de Adán, que toma aire.
El tributo: se describe la escena narrada en un pasaje del Evangelio de Mateo (Mateo 17:24-27: al ser solicitado a Jesús y sus discípulos en Cafarnaúm el pago del tributo para el templo, éste ordena a Pedro que pesque un pez, en el cual encontrará la moneda del tributo.
Masaccio representa en un solo espacio tres acontecimientos sucesivos. La escena se divide en tres partes: en el centro del fresco el cobrador, de espaldas, con túnica roja, solicita el pago del impuesto, y Jesús ordena a Pedro, con un gesto que el apóstol repite, lo que ha de hacer; a la izquierda de esta escena (no aparece en la imagen) aparece Pedro, esforzándose en sacar la moneda del pez que acaba de pescar; a la derecha, finalmente, Pedro paga el tributo al cobrador ante un edificio en perspectiva.
Se ha relacionado esta escena con los nuevos intereses marítimos de Florencia (no hay que olvidar que el comitente de la obra, Felice Brancacci, había sido cónsul del mar): la idea que se sugiere, entonces, es la del mar como fuente de ingresos para la República. Algunos autores han señalado intervenciones de Masolino en esta pintura. Argan sugiere otra interpretación del tema: «Masaccio es demasiado culto y demasiado humanista como para no entender el significado profundo del tema: sólo a Pedro, como jefe de la Iglesia, corresponderá tratar con el mundo, con los poderes terrenales».
▪ El bautismo de los neófitos: el tema aquí procede de los Hechos de los Apóstoles, y concretamente de Hechos 2:41.
▪ La resurrección del hijo de Teófilo y San Pedro en la cátedra: la fuente de esta escena no se encuentra en el Nuevo Testamento, sino en la Leyenda dorada de Jacobo de la Vorágine: Téofilo, prefecto de Antioquía, aceptó liberar a San Pedro a condición de que resucitara a su hijo de catorce años. Tras el éxito del apóstol, Teófilo y numerosos habitantes de la ciudad se convirtieron al cristianismo.
▪ La resurrección del hijo de Teófilo (falta aquí el tercio derecho de la escena, en el que aparece San Pedro en la cátedra). Masaccio dejó inacabado este fresco, que fue completado por Filippino Lippi. Se cree que en él pueden encontrarse retratos de personajes de la época: en el grupo de la izquierda, el personaje vestido con hábito de carmelita es probablemente el cardenal Brenda Castiglione; Teófilo, sentado en el trono en forma de nicho, es un retrato de Gian Galeazzo Visconti, gran enemigo de Florencia; y Coluccio Salutati es la figura sentada a los pies de Teófilo, a la derecha.
▪ San Pedro cura a los enfermos con su sombra: se cree que en esta escena hay también retratos de personajes de la época. El personaje a la derecha de San Pedro, con capucha roja, es seguramente Masolino, en tanto que la figura de san Juan, a la izquierda de San Pedro, es considerada un autorretrato del propio Masaccio (según otros sería su hermano Giovanni, llamado «el Scheggia»). El hombre curado milagrosamente (en pie y con las manos juntas) es tal vez un retrato de Donatello.
▪ La distribución de los bienes y la muerte de Ananías ilustra un episodio de los Hechos (Hechos 5:1-11) acerca del castigo de Ananías, quien trató de engañar a la comunidad de los primeros cristianos, y cayó fulminado por Dios. Esta escena está estrechamente relacionada con la anterior.
La Trinidad. Pintura al fresco. Iglesia de Santa Maria Novella.
Crucifixión, 1426. Temple sobre tabla.
La Trinidad
Artículo principal: La Trinidad (Masaccio)
Entre 1426 y 1428 Masaccio realizó el fresco de la Trinidad en uno de los muros laterales de la iglesia florentina de Santa Maria Novella. En este mural se hace uso por primera vez de la teoría de la perspectiva. La pintura representa el dogma de la Trinidad, en el marco de una capilla inspirada en los arcos de triunfo romanos, con una bóveda de medio cañón dividida en casetones y sostenida por columnas jónicas, flanqueadas a su vez por pilastras que sostienen un entablamento. En el centro se encuentra Cristo crucificado, sostenido por Dios Padre —única figura que escapa a las leyes de la perspectiva, en tanto que ser incomensurable—; bajo la cruz se encuentran la Virgen María y San Juan Evangelista. Más abajo están los dos comitentes, identificados recientemente como Berto di Bartolomeo del Banderaio y su esposa Sandra, quienes asisten arrodillados a la escena sacra. Por debajo de ellos, y funcionando como base de la composición, hay un altar de mármol bajo el cual se ve un esqueleto yacente al que acompaña la inscripción: «Ya fui antes lo que vosotros sois; y lo que soy ahora lo seréis vosotros mañana» («Io fu già quel che voi sete: e quel chi son voi ancor sarete»).
La pintura puede leerse en sentido vertical ascendente, como la ascensión hacia la salvación eterna, desde el esqueleto (símbolo de la muerte) hasta la Vida eterna (Dios Padre), pasando por la oración (los donantes), la intercesión de los santos (San Juan y la Virgen), y la redención (Cristo crucificado). El uso que hace Masaccio de la perspectiva hace que la composición sea un auténtico trompe l’oeil o trampantojo que hace parecer que el muro está efectivamente perforado.
Políptico de Pisa
El 19 de febrero de 1426 inicia Masaccio el políptico para la capilla del notario ser Giuliano di Colino degli Scarsi da San Giusto en la iglesia de Santa Maria del Carmine, en Pisa. El políptico constaba de 19 tablas. Junto a rasgos arcaicos, como el uso del fondo de oro, la principal novedad era que todos los paneles tenían un único punto de fuga, de modo que la composición resultase unitaria. En el siglo XVIII, el políptico fue desmembrado: las 11 piezas que han sido recuperadas se conservan actualmente en 5 museos distintos. Las más importantes son las siguientes:
▪ Virgen en trono con el Niño y cuatro ángeles, (Londres, National Gallery).
▪ Crucifixión (Museo de Capodimonte de Nápoles): esta tabla ocupaba la parte superior central del políptico, por encima de la Virgen en trono. Representa la escena de la crucifixión de Jesús, tal y como es referida en el Evangelio de Juan (Juan 19:26-27, con la Virgen a la derecha de Cristo y San Juan a su izquierda. La figura suplicante a los pies de la Cruz representa a María Magdalena, y varios autores creen que fue añadida posteriormente. Presenta todavía rasgos arcaicos, relacionados con el gótico internacional, como el fondo de oro. Como la tabla estaba destinada a ocupar un lugar muy elevado como remate central del retablo, la figura de Cristo fue pintada de forma que se corrigiesen las alteraciones ópticas que se producirían al quedar la obra tan alta en relación con el espectador.
▪ San Pablo (Museo Nacional de Pisa)
▪ La Adoración de los Reyes Magos (Berlín, Staalitche Museen): es la tabla central de la predela del Políptico, y la única en que no se utiliza el fondo de oro. Vasari comentó sobre esta obra: «en esta parte hay algunos caballos, tomados del natural, tan bellos que no puede pedirse más, y los hombres de la corte de los tres Reyes están vestidos con diversos atuendos que se usaban en aquellos tiempos». La crítica actual ha destacado que el centro de atención del cuadro se desplaza de la escena sacra al cortejo profano. Según algunos autores, el palafrenero que asoma entre los hocicos de dos caballos puede ser un autorretrato del pintor.
La Adoración de los Reyes Magos (1426). Temple sobre tabla.
Información obtenida en Wikipedia
A pesar de la brevedad de su vida, su obra tuvo una importancia decisiva en la historia de la pintura: generalmente se considera que fue el primero en aplicar a la pintura las leyes de la perspectiva científica, desarrolladas por Brunelleschi.
Biografía
Nació en Castel San Giovanni, hoy San Giovanni Valdarno, el 21 de diciembre de 1401, hijo del notario Giovanni di Mone Cassai y de su esposa Jacopa di Martinozzo. El apellido Cassai procede del nombre de la actividad a que se dedicaba la familia paterna de Masaccio: eran ebanistas (en italiano, cassai). En 1406, coincidiendo con el nacimiento del segundo hijo del matrimonio, Giovanni —que recibiría luego el sobrenombre de «el Scheggia»—, muere el padre. La madre volvió a contraer matrimonio con el mercader de especias Tedesco di Mastro Feo, también viudo, y con dos hijas, que murió el 7 de agosto de 1417.
Masaccio se trasladó a Florencia entre 1417 y 1421, tal vez a causa de la muerte de su padrastro. Existen documentos que demuestran que la madre de Masaccio alquiló una casa en esta ciudad, en el barrio de San Niccolò Oltrarno, seguramente como vivienda para su hijo, ya que ella continuó viviendo en casa de su difunto marido. Es posible que el joven artista comenzara su andadura en Florencia. El 7 de enero de 1422 se inscribió en el Arte (gremio) de médicos y especieros, lo cual indica que ejercía ya como pintor autónomo en la ciudad del Arno.
Su primera obra segura es el tríptico para San Juvenal de Casia, que lleva la fecha, en la tabla central, de 23 de abril de 1422. Es posible, según da a entender Vasari, que en 1423 Masaccio realizase un viaje a Roma, con motivo del jubileo. En 1424 se inscribió en la Compañía de San Lucas de Florencia. Posiblemente este año o en 1425 comenzó a colaborar con Masolino en los frescos de la capilla Brancacci de la iglesia de Santa María del Carmine de dicha ciudad. En febrero de 1426 empezó el Políptico de Pisa, trabajo que le ocuparía durante casi todo el año.
En 1428 se trasladó a Roma, invitado por el cardenal Brando da Castiglione para decorar la capilla de San Clemente en la iglesia homónima. En Roma trabajó en el Políptico de Santa María Mayor, del cual se conservan los «Santos Jerónimo y Juan Bautista» (actualmente en la National Gallery de Londres). Murió en Roma en otoño de 1428, cuando contaba sólo veintisiete años de edad. Algunas fuentes antiguas mencionan el rumor de que fue envenenado.
Obra
Tríptico de San Juvenal
El tríptico de San Juvenal era una obra desconocida de Masaccio, no mencionada por su biógrafo Giorgio Vasari, que fue descubierta en 1961. La pintura se compone de tres tablas: la central representa a la Virgen con el Niño, flanqueados por dos ángeles; en los paneles laterales aparecen parejas de santos: San Bartolomé y San Blas en el de la izquierda, y San Juvenal y San Antonio Abad en el de la derecha. En la tabla central figura la inscripción que ha permitido datar la obra: ANNO DOMINI MCCCCXXII A DI VENTITRE D’AP[RILE]. La composición está construida de acuerdo con las leyes de la perspectiva: las líneas de fuga del pavimento de los tres paneles convergen en un punto de fuga central, representado por la mano derecha de la Virgen, que sostiene los pies del Niño.
Capilla Brancacci
En 1424, Masaccio y Masolino comenzaron la decoración de la Capilla Brancacci, en el transepto de la iglesia de Santa María del Carmine. La capilla había sido construida de acuerdo con las disposiciones testamentarias de Pietro Brancacci, pero fue Felice Brancacci, próspero mercader en sedas que había desempeñados varios cargos políticos importantes en Florencia, quien encomendó la decoración de la capilla a Masaccio y Masolino. Los dos pintores trabajaron de forma perfectamente coordinada: ambos trabajaron en las dos paredes de la capilla, y dieron una gran unidad a la composición, gracias al empleo de una misma gama cromática, y de un único punto de vista (el de un espectador situado en el centro de la capilla). Cuando Masolino marchó a Hungría, en septiembre de 1425, Masaccio continuó trabajando en solitario. Más adelante, tras la partida a Roma y posterior muerte de Masaccio, el trabajo quedó interrumpido. En 1436 Felice Brancacci fue desterrado de Florencia al subir al poder la familia Médici. La decoración de la capilla sólo fue terminada en 1481 por Filippino Lippi. Entre 1746 y 1748 se realizaron importantes transformaciones en la capilla, y en 1781 sufrió importantes deterioros a causa de un incendio que ennegreció los frescos.
Los frescos se distribuyen en dos niveles horizontales a lo largo de las dos paredes de la capilla (originalmente había también pinturas en los lunetos y en la bóveda, todas ellas obra de Masolino). Se sigue el esquema característico de la pintura florentina al fresco, consistente en ordenar las composiciones como si fuesen cuadros colocados en el muro, y, para destacar esta idea, cada escena está enmarcada por pilares clásicos y capiteles corintios pintados.
La expulsión de Adán y Eva del paraíso terrenal, antes y después de la restauración.
El tema principal de los frescos es la historia de la vida de san Pedro, patrón de los marineros y comerciantes del mar, y hay también algunas referencias al Génesis, concretamente a la historia de Adán y Eva. El programa iconográfico se ha interpretado en relación con la personalidad del comitente: Felice Brancacci había sido uno de los primeros cónsules del mar de Florencia en 1421.
Programa iconográfico
1. Cuerpo superior:
La expulsión de Adán y Eva del paraíso terrenal (Masaccio)
▪ El tributo (Masaccio)
▪ Predicación de San Pedro (Masolino)
▪ Bautismo de los neófitos (Masaccio)
▪ Resurrección de Tabita (Masolino, con intervenciones de Masaccio)
▪ Adán y Eva en el paraíso terrenal (Masolino)
2. Cuerpo inferior:
▪ San Pedro en la cárcel visitado por San Pablo (Filippino Lippi)
▪ La resurrección del hijo de Teófilo y San Pedro en la cátedra (Masaccio)
▪ San Pedro cura a los enfermos con su sombra (Masaccio)
▪ La distribución de los bienes y la muerte de Ananías (Masaccio)
▪ Disputa de San Pedro con Simón Mago y muerte de San Pedro (Filippino Lippi)
▪ San Pedro liberado de la cárcel (Filippino Lippi)
Las fuentes son los Hechos de los Apóstoles, para las pinturas relacionadas con San Pedro, los Evangelios, para el fresco de El tributo, y el Génesis, para las dos escenas de Adán y Eva.
En el muro lateral izquierdo se encuentran cuatro escenas compuestas por Masaccio: dos en la parte superior, La expulsión de Adán y Eva del paraíso terrenal, El tributo; y dos en la inferior, La resurrección del hijo de Teófilo y San Pedro en la cátedra, y San Pedro cura a los enfermos con su sombra. Junto a estas obras de Masaccio se encuentran otras de Masolino, y algunas posteriores de Filippino Lippi.
En el muro lateral derecho se encuentran, en la parte superior, El bautismo de los néofitos; y en la inferior La distribución de los bienes y la muerte de Ananías. Además, se cree que son también obra de Masaccio los edificios que aparecen al fondo del fresco de Masolino sobre la Resurrección de Tabita.
Análisis estilístico
La expulsión de Adán y Eva del paraíso terrenal: se compara frecuentemente esta pintura con la de Adán y Eva en el paraíso terrenal, realizada por Masolino en la pared de enfrente. Mientras que la obra de Masolino pertenece todavía al gótico, en la de Masaccio está ya presente el Renacimiento. El tratamiento del desnudo remite a modelos de la Antigüedad (para Adán, se ha pensado que Masaccio pudo haberse inspirado en estatuas de Marsias o de Laoconte; para Eva, alguna de las venus púdicas romanas). El patetismo de la escena se acentúa con el grito doloroso de Eva y el vientre contraído de Adán, que toma aire.
El tributo: se describe la escena narrada en un pasaje del Evangelio de Mateo (Mateo 17:24-27: al ser solicitado a Jesús y sus discípulos en Cafarnaúm el pago del tributo para el templo, éste ordena a Pedro que pesque un pez, en el cual encontrará la moneda del tributo.
Masaccio representa en un solo espacio tres acontecimientos sucesivos. La escena se divide en tres partes: en el centro del fresco el cobrador, de espaldas, con túnica roja, solicita el pago del impuesto, y Jesús ordena a Pedro, con un gesto que el apóstol repite, lo que ha de hacer; a la izquierda de esta escena (no aparece en la imagen) aparece Pedro, esforzándose en sacar la moneda del pez que acaba de pescar; a la derecha, finalmente, Pedro paga el tributo al cobrador ante un edificio en perspectiva.
Se ha relacionado esta escena con los nuevos intereses marítimos de Florencia (no hay que olvidar que el comitente de la obra, Felice Brancacci, había sido cónsul del mar): la idea que se sugiere, entonces, es la del mar como fuente de ingresos para la República. Algunos autores han señalado intervenciones de Masolino en esta pintura. Argan sugiere otra interpretación del tema: «Masaccio es demasiado culto y demasiado humanista como para no entender el significado profundo del tema: sólo a Pedro, como jefe de la Iglesia, corresponderá tratar con el mundo, con los poderes terrenales».
▪ El bautismo de los neófitos: el tema aquí procede de los Hechos de los Apóstoles, y concretamente de Hechos 2:41.
▪ La resurrección del hijo de Teófilo y San Pedro en la cátedra: la fuente de esta escena no se encuentra en el Nuevo Testamento, sino en la Leyenda dorada de Jacobo de la Vorágine: Téofilo, prefecto de Antioquía, aceptó liberar a San Pedro a condición de que resucitara a su hijo de catorce años. Tras el éxito del apóstol, Teófilo y numerosos habitantes de la ciudad se convirtieron al cristianismo.
▪ La resurrección del hijo de Teófilo (falta aquí el tercio derecho de la escena, en el que aparece San Pedro en la cátedra). Masaccio dejó inacabado este fresco, que fue completado por Filippino Lippi. Se cree que en él pueden encontrarse retratos de personajes de la época: en el grupo de la izquierda, el personaje vestido con hábito de carmelita es probablemente el cardenal Brenda Castiglione; Teófilo, sentado en el trono en forma de nicho, es un retrato de Gian Galeazzo Visconti, gran enemigo de Florencia; y Coluccio Salutati es la figura sentada a los pies de Teófilo, a la derecha.
▪ San Pedro cura a los enfermos con su sombra: se cree que en esta escena hay también retratos de personajes de la época. El personaje a la derecha de San Pedro, con capucha roja, es seguramente Masolino, en tanto que la figura de san Juan, a la izquierda de San Pedro, es considerada un autorretrato del propio Masaccio (según otros sería su hermano Giovanni, llamado «el Scheggia»). El hombre curado milagrosamente (en pie y con las manos juntas) es tal vez un retrato de Donatello.
▪ La distribución de los bienes y la muerte de Ananías ilustra un episodio de los Hechos (Hechos 5:1-11) acerca del castigo de Ananías, quien trató de engañar a la comunidad de los primeros cristianos, y cayó fulminado por Dios. Esta escena está estrechamente relacionada con la anterior.
La Trinidad. Pintura al fresco. Iglesia de Santa Maria Novella.
Crucifixión, 1426. Temple sobre tabla.
La Trinidad
Artículo principal: La Trinidad (Masaccio)
Entre 1426 y 1428 Masaccio realizó el fresco de la Trinidad en uno de los muros laterales de la iglesia florentina de Santa Maria Novella. En este mural se hace uso por primera vez de la teoría de la perspectiva. La pintura representa el dogma de la Trinidad, en el marco de una capilla inspirada en los arcos de triunfo romanos, con una bóveda de medio cañón dividida en casetones y sostenida por columnas jónicas, flanqueadas a su vez por pilastras que sostienen un entablamento. En el centro se encuentra Cristo crucificado, sostenido por Dios Padre —única figura que escapa a las leyes de la perspectiva, en tanto que ser incomensurable—; bajo la cruz se encuentran la Virgen María y San Juan Evangelista. Más abajo están los dos comitentes, identificados recientemente como Berto di Bartolomeo del Banderaio y su esposa Sandra, quienes asisten arrodillados a la escena sacra. Por debajo de ellos, y funcionando como base de la composición, hay un altar de mármol bajo el cual se ve un esqueleto yacente al que acompaña la inscripción: «Ya fui antes lo que vosotros sois; y lo que soy ahora lo seréis vosotros mañana» («Io fu già quel che voi sete: e quel chi son voi ancor sarete»).
La pintura puede leerse en sentido vertical ascendente, como la ascensión hacia la salvación eterna, desde el esqueleto (símbolo de la muerte) hasta la Vida eterna (Dios Padre), pasando por la oración (los donantes), la intercesión de los santos (San Juan y la Virgen), y la redención (Cristo crucificado). El uso que hace Masaccio de la perspectiva hace que la composición sea un auténtico trompe l’oeil o trampantojo que hace parecer que el muro está efectivamente perforado.
Políptico de Pisa
El 19 de febrero de 1426 inicia Masaccio el políptico para la capilla del notario ser Giuliano di Colino degli Scarsi da San Giusto en la iglesia de Santa Maria del Carmine, en Pisa. El políptico constaba de 19 tablas. Junto a rasgos arcaicos, como el uso del fondo de oro, la principal novedad era que todos los paneles tenían un único punto de fuga, de modo que la composición resultase unitaria. En el siglo XVIII, el políptico fue desmembrado: las 11 piezas que han sido recuperadas se conservan actualmente en 5 museos distintos. Las más importantes son las siguientes:
▪ Virgen en trono con el Niño y cuatro ángeles, (Londres, National Gallery).
▪ Crucifixión (Museo de Capodimonte de Nápoles): esta tabla ocupaba la parte superior central del políptico, por encima de la Virgen en trono. Representa la escena de la crucifixión de Jesús, tal y como es referida en el Evangelio de Juan (Juan 19:26-27, con la Virgen a la derecha de Cristo y San Juan a su izquierda. La figura suplicante a los pies de la Cruz representa a María Magdalena, y varios autores creen que fue añadida posteriormente. Presenta todavía rasgos arcaicos, relacionados con el gótico internacional, como el fondo de oro. Como la tabla estaba destinada a ocupar un lugar muy elevado como remate central del retablo, la figura de Cristo fue pintada de forma que se corrigiesen las alteraciones ópticas que se producirían al quedar la obra tan alta en relación con el espectador.
▪ San Pablo (Museo Nacional de Pisa)
▪ La Adoración de los Reyes Magos (Berlín, Staalitche Museen): es la tabla central de la predela del Políptico, y la única en que no se utiliza el fondo de oro. Vasari comentó sobre esta obra: «en esta parte hay algunos caballos, tomados del natural, tan bellos que no puede pedirse más, y los hombres de la corte de los tres Reyes están vestidos con diversos atuendos que se usaban en aquellos tiempos». La crítica actual ha destacado que el centro de atención del cuadro se desplaza de la escena sacra al cortejo profano. Según algunos autores, el palafrenero que asoma entre los hocicos de dos caballos puede ser un autorretrato del pintor.
La Adoración de los Reyes Magos (1426). Temple sobre tabla.
LA ARQUITECTURA POSTMODERNA
Arte de la Postmodernidad
En un primer momento, el expresionismo, el cubismo, y todas las vanguardias, tuvieron que enfrentarse a un público hostil y reacio. Pero tras la primera mitad de siglo, estos movimientos revolucionarios ganaron prestigio social y fueron admitidos en las academias. Es lo que conocemos como el triunfo de la modernidad. A partir de entonces, comenzó a considerarse la modernidad como un fenómeno perteneciente al pasado y este sentimiento es lo que se ha llamado Postmodernidad.
El Postmodernismo es, por tanto, lo posterior a lo moderno. Se desarrolla en la década de los 80, aunque venía gestándose desde los 70. Recoge detalles de obras anteriores, recicla técnicas, ideologías y temáticas de otros movimientos, pero todo ello, visto con una estética actual. Por ejemplo, un pintor puede encontrar en los expresionistas alemanes una fuente de inspiración, en el arte conceptual, o en el minimal art. En la postmodernidad todo vale.
Como la propia sociedad se ha convertido en algo complejo y caótico, al arte, que es un reflejo de la misma, le sucederá lo mismo. Por tanto, el arte de los últimos tiempos se caracterizará por la diversidad de las opciones. El mejor ejemplo lo tenemos en la Documenta de Kassel de 1982.
La Documenta era una muestra colectiva de arte de vanguardia que se convocaba cada cinco años en la ciudad alemana de Kassel y que seleccionaba la nueva vanguardia emergente. En la edición de 1982, se produjo un gran cambio, ya que su comisario, Rudi Fuchs, presentó dicha Documenta como la del fin de vanguardia. Es decir, que en vez de proclamar una tendencia o consagrar un grupo, los mezcló todos, propiciando contrastes entre generaciones y estilos. Esto rompió la manera de analizar el arte que se tenía hasta ese momento, dejando de existir un tipo de vanguardia de desarrollo lineal.
David Salle, es una de las figuras más conocidas de la postmodernidad plástica. Utiliza imágenes pop junto a motivos del comic o de la tradición artística, de los medios de comunicación de masas e incluso de las revistas eróticas. Lo que más llama la atención son las imágenes conocidas que aparecen en sus cuadros, por ejemplo, las de Solana o de Géricault, que dan la sensación de estar intencionalmente mal pintadas. En cuanto a la composición, parece conscientemente torpe. Las imágenes se superponen unas con otras, como si el cuadro no terminara de ser considerado como una unidad espacial, sino como una superficie sobre la que se pueden disponer las imágenes sacadas de otra parte. A partir de estas citas en las que recoge diversos estilos, realiza obras muy personales, como Rolando el demoníaco o La peinadora.
Otros nombres son Baselitz, Kiefer, Clemente, Chia, Schnabel, Fischel, Basquiat, Rothenberg.
En España, los pintores más significativos son Guillermo Pérez Villalta y Miguel Barceló. Villalta, próximo a la nueva figuración, emplea las perspectivas al modo clásico y un mundo de personajes extraídos de la antigua cultura romana. Miguel Barceló utiliza una figuración deformada y desenfada, claramente expresionista, que refuerza con una gran dosis de calidad matérica, para dar a la textura una dimensión trascendente. Tras su éxito en la Documenta de Kassel de 1982, ha alcanzado gran proyección internacional.
Arquitectura postmoderna
Es una tendencia arquitectónica que reacciona, desde mediados de 1970, contra los principios del movimiento moderno. Presenta una gran diversidad tanto desde el punto de vista formal como teórico, agrupándose bajo esta denominación fenómenos muy dispares. Todos ellos, tienen en común, la denuncia de los principios defendidos por el Racionalismo arquitectónico y estilo Internacional, como son el principio funcionalista, que afirma que la forma es consecuencia de la función, la planta libre y la desnudez ornamental.
La postmodernidad propugna un arte que se identifique con la vida del mundo actual.
Los arquitectos postmodernos defienden valores como la ambigüedad, la ironía, la complejidad y la diversidad de estilos, y manifiestan su carácter ecléctico en la recuperación de referencias históricas.
Los postmodernos emplearán los órdenes clásicos, ya que así contradicen a la modernidad que los había rechazado, haciendo una llamada burlesca a una cultura pasada.
Las figuras más destacadas son Michael Graves, Charles W. Moore, Robert Ventura o Aldo Rossi.
Ventura propone el edificio anuncio, que se compone de un contenedor en el que se desarrollan las actividades propias de su función y de una fachada que se levanta como un inmenso cartel publicitario. Lo que caracteriza a un edificio es la vestimenta, la ornamentación, el interior es simplemente algo funcional, ya que la comunicabilidad de la arquitectura reside en la fachada.
Aldo Rossi es el más famoso de los teóricos de la postmodernidad. En sus construcciones prima la repetición y sus formas son monumentales y simples (cúbicas), pero en el exterior, emplea materiales lujosos y de color y exhibe motivos figurativos e historicistas.
Arquitectura postmoderna en España
En España, la variedad de tendencias queda patente en la obra de diferentes arquitectos.
Algunos están vinculados a las corrientes posmodernas internacionales, como es el caso de Ricardo Bofill, que practica un monumentalismo de inspiración clasicista en los edificios en la Ville Nouvelle de Marne-la -Vallèe, París, y del Studio Per, cercano a la estética pop de Robert Ventnuri.
Studio Per, es un grupo fundado en 1965 por los barceloneses Lluís Clotet, Óscar Tusquets, Joseph Bonet y Cristián Cirici Alomar.
El belvedere Georgina en Llofriu (Gerona) y la casa Vittoria Tracino en la isla de Pantelleria (Italia), obras de Clotet y Tusquets, son buenos ejemplos del tratamiento irónico que dan a las referencias clásicas y del gusto por la paradoja.
Otros arquitectos, sin embargo, asumirán las nuevas propuestas de una forma parcial o sólo en algunas de sus obras, como Moneo, Linazaroso o Vázquez Consuegra.
TEMARIO EXTRA-OFICIAL DE ARTE
TEMAS DE ARTE
1.- El arte clásico:
Grecia: La arquitectura griega. Los órdenes. El templo y el teatro. La Acrópolis de Atenas. La evolución de la escultura griega.
Roma: La arquitectura civil y religiosa.
2.- Arte islámico: Orígenes y características del arte islámico. La mezquita de Córdoba y la Alhambra de Granada.
3.- El arte románico: La arquitectura: el monasterio y la iglesia de peregrinación. La escultura. La pintura mural. El arte románico en el Camino de Santiago.
4- El arte gótico como expresión de la cultura urbana: La arquitectura: catedrales, lonjas y ayuntamientos. La arquitectura gótica española. La portada gótica. La pintura: Giotto y Van Eyck.
5- El arte del Renacimiento:
6.-Arte italiano del Quattrocento.
-La arquitectura: Brunelleschi y Alberti.
-La escultura: Donatello.
-La pintura: Masaccio y Botticelli.
-El Cinquecento:
-De Bramante a Palladio: el templo, el palacio y la villa.
-La arquitectura y escultura de Miguel Ángel.
-El Greco.
7- El arte barroco:
-La escultura barroca: Bernini.
-La imaginería española.
-La pintura barroca flamenca y holandesa: Rubens y Rembrandt.
-La pintura española: Ribera y Velázquez.
8.- El Neoclasicismo y el Romanticismo.
- David y Goya.
-La pintura romántica: Delacroix.
8. El arte contemporáneo.
-Hacia la arquitectura moderna: Urbanismo y arquitectura en la segunda mitad del siglo XIX.
-Las grandes transformaciones urbanas.
-El eclecticismo. (Estilo revival)
-La arquitectura de los nuevos materiales.
-La escuela de Chicago.
-El modernismo.
-La pintura impresionista: Monet, Degas y Renoir.
-El postimpresionismo: Cezanne, Van Gogh y Gauguin
-Las vanguardias históricas: Fauvismo : Matisse. Cubismo: Picasso.
-Arquitectura y urbanismo del siglo XX: El movimiento moderno: El funcionalismo: La Bauhaus. Le Corbusier. El organicismo: Wright.
-La arquitectura postmoderna : Últimas tendencias.
1.- El arte clásico:
Grecia: La arquitectura griega. Los órdenes. El templo y el teatro. La Acrópolis de Atenas. La evolución de la escultura griega.
Roma: La arquitectura civil y religiosa.
2.- Arte islámico: Orígenes y características del arte islámico. La mezquita de Córdoba y la Alhambra de Granada.
3.- El arte románico: La arquitectura: el monasterio y la iglesia de peregrinación. La escultura. La pintura mural. El arte románico en el Camino de Santiago.
4- El arte gótico como expresión de la cultura urbana: La arquitectura: catedrales, lonjas y ayuntamientos. La arquitectura gótica española. La portada gótica. La pintura: Giotto y Van Eyck.
5- El arte del Renacimiento:
6.-Arte italiano del Quattrocento.
-La arquitectura: Brunelleschi y Alberti.
-La escultura: Donatello.
-La pintura: Masaccio y Botticelli.
-El Cinquecento:
-De Bramante a Palladio: el templo, el palacio y la villa.
-La arquitectura y escultura de Miguel Ángel.
-El Greco.
7- El arte barroco:
-La escultura barroca: Bernini.
-La imaginería española.
-La pintura barroca flamenca y holandesa: Rubens y Rembrandt.
-La pintura española: Ribera y Velázquez.
8.- El Neoclasicismo y el Romanticismo.
- David y Goya.
-La pintura romántica: Delacroix.
8. El arte contemporáneo.
-Hacia la arquitectura moderna: Urbanismo y arquitectura en la segunda mitad del siglo XIX.
-Las grandes transformaciones urbanas.
-El eclecticismo. (Estilo revival)
-La arquitectura de los nuevos materiales.
-La escuela de Chicago.
-El modernismo.
-La pintura impresionista: Monet, Degas y Renoir.
-El postimpresionismo: Cezanne, Van Gogh y Gauguin
-Las vanguardias históricas: Fauvismo : Matisse. Cubismo: Picasso.
-Arquitectura y urbanismo del siglo XX: El movimiento moderno: El funcionalismo: La Bauhaus. Le Corbusier. El organicismo: Wright.
-La arquitectura postmoderna : Últimas tendencias.
HENRI MATISSE
FAUVISMO
Matisse: le puedes oír hablar, pintar, recortar.....
DOCUMENTAL DE LA BBC: EL LUGAR DÓNDE MATISSE NACIÓ
ENTRA EN EL ENLACE: Matisse y moda
Está considerado como una de las grandes personalidades en la configuración del arte del siglo XX, maestro a la hora de expresar sentimientos a través del uso del color y la forma.
Matisse nació en Le Cateau-Cambrésis, en el norte de Francia, el 31 de diciembre de 1869, en el seno de una familia de clase media. Estudió derecho en París entre 1887 y 1889. Comenzó a ejercer como abogado, sin embargo, en 1890, mientras se recuperaba de una apendicitis, se sintió atraído por la pintura. En 1892 abandonó su carrera de abogado y fue admitido en la Escuela de Bellas Artes de la capital francesa.
Su primera formación la realizó dentro de la tradición académica y conservadora, por lo que su primer estilo consistía en una forma convencional de naturalismo, realizando numerosas copias de los cuadros de los maestros clásicos. A su vez, estudió el arte contemporáneo, sobre todo el de los impresionistas, comenzando su propia experimentación, que le valió una reputación de miembro rebelde en las clases del estudio.
La verdadera liberación artística de Matisse, en términos del uso del color como configurador de formas y planos espaciales, se produjo bajo la influencia de Paul Gauguin, Paul Cézanne y Vincent van Gogh, cuya obra estudió con detenimiento desde 1899 aproximadamente. Más tarde, entre 1903 y 1904, Matisse se enfrentó a la pintura puntillista de Henri Edmond Cross y Paul Signac. Ambos estaban experimentando con la yuxtaposición de pequeñas pinceladas (a menudo puntos) de pigmento puro para crear fuertes vibraciones visuales de color intenso sobre la superficie del cuadro.
Matisse adoptó esta técnica pero la modificó aplicando pinceladas más amplias. Hacia 1905 había producido unas imágenes cuya audacia cromática rompía con todo lo anterior. Entre estas obras destaca Raya verde (Madame Matisse, 1905, Museo Estatal de Arte, Copenhague), un retrato con notas expresionistas de su mujer.
El título deriva de la amplia pincelada de verde brillante que define la frente y la nariz de su esposa. Ese mismo año Matisse expuso junto a pintores de la misma tendencia como André Derain y Maurice de Vlaminck. Como consecuencia de esta exposición, el grupo es bautizado como les fauves (literalmente las bestias salvajes) por su uso estridente del color, distorsión de las formas y su sentido expresionista en la captación de emociones.
El bodegón representó un papel central en la maduración pictórica de Matisse. Su primer cuadro fue una Naturaleza muerta con libros. En 1902, año de ejecución de Las flores amarillas (Madrid, Museo Thyssen-Bornemisza), atravesaba lo que algunos han calificado como el periodo oscuro, que acabó en 1904, periodo de obras de enorme energía que estallaría en las pinturas fauves de 1905. A medida que fue considerado como el cabecilla del radicalismo artístico, Matisse se ganó la aprobación de la crítica influyente y de los coleccionistas, como la de la escritora estadounidense Gertrude Stein y su familia.
Gertrude Stein, mecenas de arte
Entre los encargos más importantes que recibió se encuentra el del coleccionista ruso que le pidió unos paneles murales ilustrando temas de danza y música, La Música y La Danza (acabados ambos en 1911, hoy en el Ermitage, San Petersburgo). Sus figuras de bailarines, y, en general, todas sus figuras humanas, responden, en primer lugar, a la expresividad de la forma, y sólo secundariamente a los detalles anatómicos. Este principio se extiende a otros campos como el de las esculturas en bronce, dibujos y obras en diversos medios gráficos. Matisse, junto al contenido intelectual, siempre destacó la importancia del instinto y la intuición en su producción artística. Afirmaba que un artista no tiene un completo dominio sobre formas y colores, sino que son las propias formas, líneas y colores los que deben dictar al artista sensible el modo en que deben ser combinadas.
A menudo aludía al gozo que experimentaba al abandonarse al juego de las fuerzas del color y el diseño, y explicaba las formas rítmicas pero distorsionadas de muchas de sus figuras en términos de la revelación de una armonía pictórica total. Desde 1920 hasta su muerte, Matisse pasó mucho tiempo en el sur de Francia, sobre todo en Niza, pintando escenas locales de colorido fluido y brillante. Cuando contaba con una edad avanzada se le encargó la decoración de la capilla de Santa María del Rosario en Vence (cerca de Cannes), que terminó entre 1947 y 1951.
Durante sus últimos años, debido a la dificultad a la hora de manejar el pincel y a su estado a menudo de postración, se entregó al découpage (técnica de papeles gouacheados y recortados), creando obras de un brillante colorido. Matisse murió en Niza el 3 de noviembre de 1954. A diferencia de otros artistas, tuvo un reconocimiento internacional durante su vida, gozando del favor de los coleccionistas, críticos de arte y de la generación de artistas más jóvenes. En 1952 se inauguró el Museo Matisse en su ciudad natal.
Creative Commons-Enlace: http://www.epdlp.com/pintor.php?id=307
Matisse: le puedes oír hablar, pintar, recortar.....
DOCUMENTAL DE LA BBC: EL LUGAR DÓNDE MATISSE NACIÓ
ENTRA EN EL ENLACE: Matisse y moda
Está considerado como una de las grandes personalidades en la configuración del arte del siglo XX, maestro a la hora de expresar sentimientos a través del uso del color y la forma.
Matisse nació en Le Cateau-Cambrésis, en el norte de Francia, el 31 de diciembre de 1869, en el seno de una familia de clase media. Estudió derecho en París entre 1887 y 1889. Comenzó a ejercer como abogado, sin embargo, en 1890, mientras se recuperaba de una apendicitis, se sintió atraído por la pintura. En 1892 abandonó su carrera de abogado y fue admitido en la Escuela de Bellas Artes de la capital francesa.
Su primera formación la realizó dentro de la tradición académica y conservadora, por lo que su primer estilo consistía en una forma convencional de naturalismo, realizando numerosas copias de los cuadros de los maestros clásicos. A su vez, estudió el arte contemporáneo, sobre todo el de los impresionistas, comenzando su propia experimentación, que le valió una reputación de miembro rebelde en las clases del estudio.
La verdadera liberación artística de Matisse, en términos del uso del color como configurador de formas y planos espaciales, se produjo bajo la influencia de Paul Gauguin, Paul Cézanne y Vincent van Gogh, cuya obra estudió con detenimiento desde 1899 aproximadamente. Más tarde, entre 1903 y 1904, Matisse se enfrentó a la pintura puntillista de Henri Edmond Cross y Paul Signac. Ambos estaban experimentando con la yuxtaposición de pequeñas pinceladas (a menudo puntos) de pigmento puro para crear fuertes vibraciones visuales de color intenso sobre la superficie del cuadro.
Matisse adoptó esta técnica pero la modificó aplicando pinceladas más amplias. Hacia 1905 había producido unas imágenes cuya audacia cromática rompía con todo lo anterior. Entre estas obras destaca Raya verde (Madame Matisse, 1905, Museo Estatal de Arte, Copenhague), un retrato con notas expresionistas de su mujer.
El título deriva de la amplia pincelada de verde brillante que define la frente y la nariz de su esposa. Ese mismo año Matisse expuso junto a pintores de la misma tendencia como André Derain y Maurice de Vlaminck. Como consecuencia de esta exposición, el grupo es bautizado como les fauves (literalmente las bestias salvajes) por su uso estridente del color, distorsión de las formas y su sentido expresionista en la captación de emociones.
El bodegón representó un papel central en la maduración pictórica de Matisse. Su primer cuadro fue una Naturaleza muerta con libros. En 1902, año de ejecución de Las flores amarillas (Madrid, Museo Thyssen-Bornemisza), atravesaba lo que algunos han calificado como el periodo oscuro, que acabó en 1904, periodo de obras de enorme energía que estallaría en las pinturas fauves de 1905. A medida que fue considerado como el cabecilla del radicalismo artístico, Matisse se ganó la aprobación de la crítica influyente y de los coleccionistas, como la de la escritora estadounidense Gertrude Stein y su familia.
Gertrude Stein, mecenas de arte
Entre los encargos más importantes que recibió se encuentra el del coleccionista ruso que le pidió unos paneles murales ilustrando temas de danza y música, La Música y La Danza (acabados ambos en 1911, hoy en el Ermitage, San Petersburgo). Sus figuras de bailarines, y, en general, todas sus figuras humanas, responden, en primer lugar, a la expresividad de la forma, y sólo secundariamente a los detalles anatómicos. Este principio se extiende a otros campos como el de las esculturas en bronce, dibujos y obras en diversos medios gráficos. Matisse, junto al contenido intelectual, siempre destacó la importancia del instinto y la intuición en su producción artística. Afirmaba que un artista no tiene un completo dominio sobre formas y colores, sino que son las propias formas, líneas y colores los que deben dictar al artista sensible el modo en que deben ser combinadas.
A menudo aludía al gozo que experimentaba al abandonarse al juego de las fuerzas del color y el diseño, y explicaba las formas rítmicas pero distorsionadas de muchas de sus figuras en términos de la revelación de una armonía pictórica total. Desde 1920 hasta su muerte, Matisse pasó mucho tiempo en el sur de Francia, sobre todo en Niza, pintando escenas locales de colorido fluido y brillante. Cuando contaba con una edad avanzada se le encargó la decoración de la capilla de Santa María del Rosario en Vence (cerca de Cannes), que terminó entre 1947 y 1951.
Durante sus últimos años, debido a la dificultad a la hora de manejar el pincel y a su estado a menudo de postración, se entregó al découpage (técnica de papeles gouacheados y recortados), creando obras de un brillante colorido. Matisse murió en Niza el 3 de noviembre de 1954. A diferencia de otros artistas, tuvo un reconocimiento internacional durante su vida, gozando del favor de los coleccionistas, críticos de arte y de la generación de artistas más jóvenes. En 1952 se inauguró el Museo Matisse en su ciudad natal.
Creative Commons-Enlace: http://www.epdlp.com/pintor.php?id=307
martes, 10 de mayo de 2011
viernes, 6 de mayo de 2011
MICHELANGELO MERISI CARAVAGGIO
OBRAS ESPECTACULARES DE CARAVAGGIO
Caravaggio es un pintor barroco y como tal su arte es realista. Sus modelos son gente corriente, ancianos y niños- contrariamente al arte clásico que los prefiere en la plenitud de la vida y perfectamente formados. Pero no todos sus personajes gozan de esta cualidad. Especialmente cuando se trata de la Virgen o de su hijo.
Como en el Helenismo, vemos a los personajes bíblicos en actitudes cotidianas. Se dice que en la muerte de la Virgen la modelo era una mujer ahogada. Por eso algunos de sus cuadros causaron escándalo entre la sociedad de su época.
El primer cuadro trata de la huída a Egipto de la Sagrada Familia. El ángel es de estilo manierista por lo que el estilo es de transición. Contrasta con el realismo de la familia sagrada. La Virgen y San Jose están cansados y apenas escuchan al ángel. Parece que el único atento es el burro. Los colores del fondo contrastan con el del ángel. Este más blanco y luminoso mientras que la atmósfera en la que están el resto de los personajes es más cálida y oscura.
En el segundo, la Virgen llama la atención por el escote y por la actitud cotidiana que muestra en la relación con su hijo que pisa a la serpiente. Parece una madre cualquiera. Santa Ana, una mujer anciana, también ofrece la imagen de una abuela contemplando a su nieto. Forma parte del gusto del Barroco por los hechos cotidianos y por la teatralidad (Sucede algo en el cuadro. Con la Gioconda, no).
El bello Narciso se mira en el estanque. Al ver su imagen, queda absorto ante la belleza. Caerá y se ahogara por ello. Los cuerpos en los cuadros de Caravaggio tiene presencia y volumen.
La muerte de la Virgen es uno de los cuadros rechazados por la sociedad italiana. En él aparece la Virgen. Se dice que se basó en una mujer ahogada. El vientre aparece hinchado y en las extremidades empieza a ser visible el rigor mortis. Pero para los creyentes la Virgen no se muere, se duerme y asciende a los cielos. El resto de personajes, a excepción de la mujer en el primer plano, son muy realistas.
ARTEMISIA GENTILESCHI, UNA EXTRAORDINARIA PINTORA DEL BARROCO ITALIANO
DIEGO VELAZQUEZ
Las Meninas, uno de los mejores cuadros de la Historia del Arte
Misterio: ¿Qué está pintando Picasso?
La seducción de las Meninas: Picasso
jueves, 5 de mayo de 2011
IL COLORI DELL´ANIMA . MODIGLIANI. EXPRESIONISMO
AMADEO MODIGLIANI. PINTOR Y ESCULTOR
(Información sacada de wikipedia)
Amedeo Clemente Modigliani (Livorno; 12 de julio de 1884 - París; 24 de enero de 1920)
Formaba parte de la vida bohemia y la denominada escuela de París. Nunca tuvo un techo estable. Vivió eternas noches de desenfreno etílico. Pero fue, según Picasso, “el único en París que sabía vestir”. Su vida estuvo acompañada de las drogas y el alcohol.
Fue el cuarto hijo de Eugenia, una francesa nativa de Marsella, y de Flaminio, nacido en Roma. El padre de Amedeo se dedicó a una profesión tradicional de los judíos europeos: el préstamo. Pero era mal negociante. Prestaba atendiendo más a las necesidades que a las garantías de sus clientes, y muy pronto debió recurrir él mismo a otros prestamistas. Así como Flaminio Modigliani era benevolente con sus clientes, sus acreedores fueron inflexibles. Eugenia estaba embarazada de Amedeo cuando los oficiales de la justicia se presentaron en su casa. Una vieja ley italiana sirvió para dar un respiro a la familia: todos los objetos que estuvieran sobre la cama de una mujer embarazada eran intocables. Flaminio y Eugenia acumularon en su cama de matrimonio todas las joyas y objetos de algún valor que aún poseían. Esa pequeña fortuna les sirvió para instalarse en una casa más modesta y tratar de comenzar una nueva vida.
Flaminio se alejó de Livorno para probar suerte en la minería. Eugenia abrió una escuela de lenguas para señoritas, a la vez que se dedicaba a escribir cuentos y artículos literarios para algunos periódicos. Mientras tanto, criaba a sus cuatro hijos, y así es como Modigliani pasa su infancia entre la pobreza y la enfermedad.
A los 14 años, Amedeo ("Dedo", como lo llamaban en su familia) comenzó a tomar clases de pintura con Guglielmo Micheli, un discípulo de Fattori, uno de los pintores del movimiento florentino conocido como los macchiaioli, un nombre que eligieron a partir de los ataques de algunos críticos que decían que pintaban con manchas ("macchie"). Poco después de comenzar sus estudios de pintura, Amedeo sufre un ataque de fiebre tifoidea y dos años más tarde una tuberculosis. En 1898, su hermano de 26 años, Emmanuele, es condenado a seis meses de prisión por ser militante del movimiento anarquista.
En 1902, Amedeo se inscribe en la escuela libre del desnudo, Scuola libera di Nudo en Florencia y al año siguiente en el Instituto de las Artes de Venecia, ciudad en la que se mueve por los bajos fondos.
SU VIDA EN UN FALANSTERIO PARISINO
En 1906 se traslada a París, que es por la época el centro de la vanguardia. En el Bateau-Lavoir, un falansterio para proletarios de Montmartre. Los falansterios son una especie de comuna ideada por un socialista utópico: Fourier. Sobre ellos Fourier decía:
"Un falansterio necesita unas 1.500 ó 1.600 personas y un terreno de una legua cuadrada (no olvidemos que con el tercio basta para el método sencillo)(...). Se reunirán personas de desiguales fortunas, edades, caracteres y conocimientos teóricos y prácticos, graduando la desigualdad; se cuidará de que exista la mayor variedad posible, pues cuanto mayor variedad exista en las pasiones y facultades de los asociados, más fácil será armonizarlos en poco tiempo.(...) Deberá tener, a lo menos, las siete octavas partes de sus miembros entre agricultores y manufactureros; el octavo se compondrá de capitalistas, sabios y artistas.
En vez de ese caos de casetas que rivalizan en suciedad y deformidad de nuestros pueblos una Falange; se construye un edificio tan regular como lo permita el terreno.
El centro del palacio o falansterio, debe dedicarse a las funciones apacibles, comedores, Bolsa, biblioteca, salas de reunión y de estudio, etc. En ese centro estará el templo, la torre del vigía, el telégrafo, las palomas mensajeras, el observatorio, la campana de ceremonias y el patio de invierno, adornado con plantas resinosas y situado al respaldo del patio principal.(...)
Aquí conoce a Max Jacob, Van Dongen, Picasso, Guillaume Apollinaire, Diego Rivera, Chaïm Soutine, Vicente Huidobro y otros personajes célebres. Influido en principio por Toulouse-Lautrec, Amedeo encuentra inspiración en Paul Cézanne, el cubismo y la época azul de Picasso. También es evidente la influencia que ejercen sobre él Gustav Klimt y las estampas del japonés Utamaro. Su rapidez de ejecución le hace famoso. Nunca retocaba sus cuadros, pero los que posaron para él decían que era como si hubiesen desnudado su alma.
Es interesante observar en el vídeo la excéntrica imagen de Gustav Klimt, autor de una obra tan refinada como el beso. Y en el video sobre el Ukiyo-e podemos adivinar porque los artistas europeos se sintieron tan seducidos por el arte del Japón Meiji. Vemos repetido el famoso monte Fuji.
En 1909, pasa un breve período en Livorno, enfermo y deteriorado en su salud por su modo de vivir. Regresa a París y alquila un estudio en Montparnasse. Se considera a sí mismo más escultor que pintor, y siguió sobre esa vía cuando Paul Guillaume, un marchante joven y ambicioso le presenta a Constantin Brâncusi.
Colette de Brancusi
Descubre el arte africano y camboyano en el Musée de l'Homme de París. Sus estatuas se reconocen por los ojos almendrados, las bocas pequeñas, las narices torcidas y los cuellos alargados. Se presentó una serie en el Salón de Otoño de 1912, pero tuvo que dejar de esculpir porque el polvo le causaba problemas de salud.
Retrató a los habituales de Montparnasse, como Soutine, Diego Rivera, Juan Gris, Max Jacob, Blaise Cendrars y Jean Cocteau.
Jean Cocteau
Al iniciarse la Primera Guerra Mundial, intenta alistarse, pero su precaria salud se lo impide.
Conocido como "Modì" por sus amigos, Amedeo emana magnetismo hacia las mujeres. Tiene numerosos romances hasta que entra en su vida Beatrice Hastings, con la que mantendrá una relación de unos dos años. Ésta le sirve de modelo en varios retratos, como "Madame Pompadour".
Cuando está bajo los efectos del alcohol, es triste y violento, como muestra el dibujo de Maria Vassilieff. Sobrio, es tímido y encantador, le gusta citar a Dante Alighieri y recitar poemas del libro del conde de Lautréamont Los cantos de Maldoror ("Les Chants de Maldoror") libro del que siempre tiene cerca un ejemplar. En 1916, conoce al poeta y marchante de arte polaco Léopold Zborowski y a su mujer Anna. Modigliani la retrata en varias ocasiones, cobrándole sólo diez francos por retrato.
El siguiente verano, el escultor ruso Chana Orloffa le presenta a Jeanne Hébuterne, una estudiante de 18 años que había posado para Foujita. Cuando la familia burguesa de Jeanne se entera de esta relación con el que era considerado un depravado, le corta su asignación económica. Sus tormentosas relaciones se hicieron aún más famosas que sus borracheras.
El 3 de diciembre de 1917 se celebra su primera exposición, pero horas después la autoridad la cierra por indecencia. Debido a sus problemas de salud, tiene que trasladarse a Niza con Hébuterne, que da a luz en 1919 a una hija a la que llamará Jeanne. Por sugerencia del marchante Guillaume, realiza una serie de desnudos (ahora sus obras más cotizadas), con la pretensión de venderlos a los millonarios que veranean en la Costa Azul, sin mayores éxitos.
En mayo de 1919, vuelve a París, a la calle de la Grande Chaumière. Su salud se deteriora con rapidez ya que seguía con sus vicios. Tras un largo período en el que sus vecinos no sabían nada de él y después de una noche de excesos y de haber peleado con unos vándalos en la calle, le encuentran delirando en la cama a la vez que sostenía la mano de Jeanne embarazada casi de nueve meses. Lo único que puede hacer el médico es atestiguar que su estado es desesperado. Muere de meningitis tuberculosa el 24 de enero de 1920 a los 36 años. Unos días antes había pedido el permiso al gobierno francés para contraer matrimonio con Jeanne.
Los más importantes artistas de Monmartre y Montparnasse siguen los funerales. Jeanne Hébuterne, llevada a casa de sus padres, se suicida tirándose desde la ventana de un quinto piso, con un hijo del pintor en sus entrañas, después del funeral de Modigliani.
La hermana de Modigliani que vivía en Florencia, adopta a su hija huérfana. Ésta escribirá una importante biografía de su padre titulada: Modigliani: Hombre y mito.
Los clips se refieren a los cuadros de Modigliani en los que pinta a Hebuterne y a la película en la que Andy García encarna al personaje de Modigliani.
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