EDOUARD MANET

Majas en el balcón de Goya



Balcón de Manet





Bar en el Folies Bergere



Venus de Urbino de Tiziano



Olimpia de Manet



El desayuno sobre la hierba de Manet

El artista más moderno del siglo XIX realizó esta obra cargada de vanguardismo y tradición, creando un precedente para el arte del siglo XX.Ver en la página original

En 1863, Manet presenta en el Salón de Otoño de París esta obra, cuyo título original era “El Baño”. La obra es rechazada, creando, no obstante, una gran polémica en torno a ella. Sin embargo esta obra, junto con otras muchas que tampoco tuvieron la aprobación del jurado, fueron expuestas en el recién creado Salón de los Rechazados, cuya exposición obtuvo un sonado éxito.

Fue el mismo Napoleón III quién decidió la creación de este segundo salón para que el público tuviera la opción de opinar por sí mismo, acerca de las obras rechazadas por el Salón de otoño. Manet expuso “El almuerzo campestre" que provocó muchas críticas, pues se le acusó de falta de técnica y falta de moral, al exponer un escandaloso desnudo ante tan refinado público. Aún así existió otro sector que sí supo apreciar esta magnífica obra de Manet, fueron los artistas más jóvenes, que más tarde se les conocería como los Impresionistas. Estos veían en el lienzo un alarde de vanguardia, y tomaron el lienzo como un punto de partida, realizando su obra tras las pautas instauradas por Manet.

“El Baño”, cuyo título se modificó cuatro años más tarde, representa un momento del artista donde está rompiendo con el academicismo para dar paso a la originalidad y vanguardia. En cuanto a la obra, fue rechazada por la falta de comprensión por parte del jurado, quienes vieron en el lienzo, una relación inmoral entre dos señores y una prostituta, pues así identificaron a los personajes. Sin embargo, Manet había partido de las obras clásicas para realizar este trabajo, muy lejos de las provocaciones que quisieron ver el público. En primer lugar, está presente “El Concierto campestre” de Giorgione desde un punto de vista más moderno, y más lleno de vida. También encontramos referencias al “Juicio de Paris” de Rafael en la presentación del grupo protagonista. Y por último, miró hacía la obra de Courbet, quién era un artista cercano pero un rival directo en cuanto a su estilo artístico, éste pintó sus “Señoritas en el Senna” tras un velo realista. En él presentaba a una mujer denuda acompañada por personajes masculinos, siendo todos presentados bajo un halo de idealización, alejándose de la realizada más violenta que nos proponía Manet.

En cuanto al origen de la idea, parece ser que el artista se vio inspirado por una visión de un baño en el río parisino durante una estancia en Argenteuil. Dio forma a la idea dentro de su estudio, tomando como modelo para la protagonista a Victorine Meurant, la favorita del pintor, acompañándola del escultor holandés Ferdinand Leenhoff y de su propio hermano, Gustave.

COMPOSICIÓN

Los tres personaes aparecen en el centro del lienzo enmarcados por un bello paisaje donde se vislumbra, al fondo, el Sena. Junto al río aparece otra mujer medio desnuda dándose un baño. En cuanto al grupo protagonista, en primer lugar observamos a la mujer pintada desnuda, que mira desafiante al espectador, sentada junto a uno de los personajes masculinos, y situada frente al segundo hombre representado. La blanca e inmaculada desnudez de la fémina contrasta violentamente con la vestimenta de los hombres. En la esquina inferior izquierda aparece, a modo de pequeña naturaleza muerta, las ropas de la muchacha junto a una cesta de frutas. Es el contraste de esta mujer desnuda junto a sus compañeros vestidos lo que más polémica levantó. La pregunta que nos hacemos es por qué tanto alboroto cuando los espectadores estaban acostumbrados a observar en la pintura desnudos femeninos. La respuesta la da el mismo cuadro, pues hasta el momento estos desnudos habían aparecido en la pintura de manera idealizada, cargados de simbolismo, con un significado explícito. Sin embargo ahora, se ha utilizado sin ningún fin aparente, la mujer desnuda es una modelo conocida, que esta representada como una señora normal, no es una diosa, ni un personaje mitológico.

La polémica la crea esta misma actitud desafiante de la mujer mirando atrevidamente al público, y sobre todo se debe a su identificación con un personaje real. De este modo el espectador, se ha convertido en voyeur pues debe observar el desnudo como lo que es, el cuerpo de una mujer en todo su esplendor, el cual podría pertenecer a cualquiera de su entorno. Esta sensación trasladada al público es lo que lleva a rechazar la obra, pues atenta contra los principios morales de la sociedad, y coloca al que lo observa en una situación embarazosa frente al cuadro. Pero la polémica suscitada no sólo partía de este novedoso tratamiento del desnudo, también influyeron las nuevas formas utilizadas por el pintor, a la hora de realizar su obra.


PERSPECTIVA AÉREA

En el fondo del lienzo utiliza una técnica novedosa, que dota a la obra de verdadera modernidad, aboceta las formas consiguiendo así la profundidad y la sensación de que el aire envuelve la escena, así los personajes aparecen como parte inherente del ambiente. No obstante esta fórmula no es tan original como aparenta, pues está poniendo en práctica aquello que ha aprendido de su artista mas admirado, Velázquez.


USO DEL COLOR

En primer lugar, el uso de los colores sorprende por el contraste lumínico, el negro de los trajes frente al blanco puro del cuerpo de Victorine. Parte de los colores puros, y los envuelve en una ambiente cargado de tonalidades, marcando así los focos importantes y concentrando la visión en los contrastes. Este resaltado uso del negro era una de las razones por la que los académicos rechazaban las obras de Manet, pues era un color poco aconsejado y utilizado, dentro del arte realizado por el entorno academicista.

LA INFLUENCIA JAPONESA

Debemos tener en cuenta la presencia de la estampa japonesa en la vida cultural del París de finales del XIX, y que está aquí presente en el tratamiento de las luces, centrando el foco lumínico en el grupo central, y dejando el resto en penumbra sin apenas dibujar una sola sombra.

En resumen, Manet supo aprovechar las enseñanzas de los clásicos, los mencionados ya, y aquellos que pudo copiar en el Louvre, para conseguir su propio propósito, pintar las cosas tal y como las veía.

Es por esta idea por la cual los impresionistas tomaron como padre del movimiento a Manet, aunque este nunca se consideró de dicho grupo. Sin embargo es cierto, que las ideas transmitidas a través de su obra, estaban en plena consonancia con las obras impresionistas. Este grupo de jóvenes supo apreciar el tratamiento de los colores claros y sobre todo el intento del pintor por colocar su escena al aire libre, aunque en el caso de Manet no saliera al campo a pintar como hicieron estos impresionistas. Cierto es, que Manet tuvo que utilizar su taller y dar vida a la imagen que se había creado en su mente tras observar aquel baño en Argenteuil. La verdad es que logró plasmar el momento, pero debemos decir que su paisaje resultó más artificial de lo que hubiera deseado, y a su vez, la perspectiva, no parece tan natural como debiera. Esas carencias serán logradas y superadas por esa juventud impresionista que tomando sus lecciones desarrollarán un bello movimiento artístico, lleno de color y de luz. Incidiendo en esta idea de plasmar lo que veía de la manera mas fidedigna, dejó pintado en este lienzo un sapo apenas visible en la parte inferior del lienzo, y un pájaro que sobrevuela la escena principal, quizás para marcar aún más esa sensación de aire libre pretendida.

Finalmente, decir que con esta obra Manet se situó dentro de la vanguardia cultural, dando pie a una nueva época tanto social como artística. Con su lienzo desafío al arte académico, provocó al público, pero también demostró gran calidad técnica, gran dominio del color y del dibujo, y sobre todo, un enorme respeto a los grandes clásicos de la pintura, que tuvieron en él un digno predecesor.




Concierto campestre de Giorgione